ARTE Y TELEVISIÓN: UN DIÁLOGO INCONCLUSO

(Artículo que hice originalmente para Blogs&Docs -AQUÍ- y republicado en SalonKritik -AQUÍ- y en venuspluton!com)

LA “OTRA” TELEVISIÓN

Los museos se han convertido en la religión de la civilización sin religión. Si el museo perfila el credo de lo que la cultura y la civilización han sido, la televisión, desde medianos de los años cincuenta, funda la cultura del presente. Se ha dicho desde algunos medios que el pasado noviembre era el mes “de la televisión” y se dijo porque han coincidido en el MACBA (¿Estais listos para la televisión?) y en el Centro Arts Santa Mónica (TV/ARTS/TV) dos exposiciones dedicadas a la “otra” televisión, así como un ciclo en La Casa Encendida bajo el título Otra televisión es posible y otro, más breve, en el Artium de Vitoria. ¿De qué nos hablan cuándo dicen esa “otra” televisión?

En televisión, a los ojos del público general, pero sobretodo a los ojos de ciertas élites culturales, sólo existe y ha existido la “mala televisión”. Han Magnus Enzesberger en su artículo elaborado ex profeso para la exposición del MACBA recuerda la célebre frase en la que se sustentan la mayoría de las teorías sobre los medios de comunicación: “la televisión idiotiza”. Enzesberger alude a cuatro vertientes teóricas basadas en esta sentencia que él rebate: la televisión como instrumento de dominio político e ideológico que inhibe la capacidad crítica y autocrítica del espectador, la televisión como acueducto audiovisual de libertinaje moral, la televisión como máquina de simulación de lo real hasta el punto de hacer que el espectador no sepa diferenciar entre lo real y la ficción, y, finalmente, aquella tesis según la cual la televisión perjudica nuestra percepción y nuestra identidad psíquica. Lo que consiguen precisamente las exposiciones del MACBA y del Arts Santa Mònica es desmontar estos prejuicios y establecer un puente hacia aquellos programas o intervenciones artísticas que reutilizan el medio para abrir una brecha donde el pensar y el sentir realidades nuevas, ricas y plurales sea posible, aunque para ello se tenga que pasar a menudo por la crítica o el metalenguaje del medio. La manera de hacerlo es, según Chus Martínez, comisaria de la exposición del MACBA, la de la “irritación fértil”, el utilizar la ‘fricción’ como motor del pensamiento; se sirve de la metáfora de la plaga de Antonin Artaud (1) para hablar de aquellos programas que han ayudado a reescribir el medio rompiendo las convenciones, las formas y los géneros. Desorganizar para acceder a todos los estratos del organismo, clama Artaud; desaprender (aquello que no necesitamos) como tarea indispensable para el cuidado de uno mismo, nos recordaba Foucault (2). En el caso de la exposición del Arts Santa Mònica el exorcismo del prejuicio que existe alrededor del medio televisivo se hace, sobretodo, a través de una serie de “viejas” instalaciones artísticas que, tomando la televisión como objeto, abren preguntas sobre las posibilidades e impotencias del medio.

¿ARTE VS. TELEVISIÓN?

La relación entre el arte y la televisión siempre ha sido delicada: la televisión no ha tomado el arte como contenido para atraer a la audiencia, el arte no ha creído en la televisión como una plataforma adecuada para transmitir sus contenidos. Aún así, se encontraron inevitable y afortunadamente, sobretodo con el videoarte y también con algunos programas que mencionaremos a continuación. Como decía Fran Ilich en una entrevista (3): “otra televisión es posible si pensamos en algo que no sea televisión”. Continúa: “La pregunta sería: ¿es posible tener comunicación con millones de personas de otra forma distinta?” Lo mismo decía Pierre Bourdieu en Sobre la televisión: “¿Estoy dispuesto a hacer lo necesario para que mi discurso, por su forma, pueda ser escuchado por todo el mundo? (…) Se puede incluso ir más lejos: ¿tiene que ser entendido por todo el mundo?” (4) La televisión ejerce su saber (y su auténtico poder) cuando no piensa los contenidos en relación a la audiencia, este ciudadano-tipo, esa media abstracta que no responde a nadie en concreto más que al vacío de un índice numérico. Por otro lado, el arte ejerce su poder/saber cuando es capaz de conformar y reflejar el espíritu de una época, así como el obrar (y con él, la moral) de los hombres que la habitan. El arte, siendo hecho sin pensar en una amplia masa crítica, es universal. La televisión, intentando “gustar a todos”, acaba siendo extremadamente individual. Aunque hubo una época en que los índices de audiencia no imponían su dictadura sobre los contenidos, donde el arte gozaba de un espacio natural y propio en algunos programas de televisión, donde ésta se permitía el lujo de experimentar con formatos y contenidos, de ser, finalmente, una ventana abierta al mundo y no a sí misma.

Gene Youngblood, en su libro Expanded Cinema (5), enunciaba: “VT is not TV”, esto es, “el video tape recorder no es la televisión”. Es en esta época de los sesenta y setenta cuando se produce la llamada media revolution, donde el arte se filtra en la televisión sin pudor ni restricciones: en las televisiones regionales norteamericanas a través de los programas de artistas en residencia financiados por la fundación Rockefeller (todo el trabajo desarrollado por Nam June Paik, Joan Jonas, los Vasulka, Bill Viola, etc., en televisiones como la WGBH, la KQED o la WNET), en las televisiones alemanas con la acogida que algunas televisiones dieron a artistas (paradigmático es el caso de la WDR con Nam June Paik, Wolf Vostell y Aldo Tambellini, entre otros) o con su vínculo con las ferias y las galerías de arte (de las retransmisiones de la Documenta de Kassel a los programas nacidos de la Galería Televisiva de Gerry Schum), pasando por los movimientos y acciones vinculadas con la televisión comunitaria o “de guerrilla” (Ant Farm, Guerrilla Television, TVTV, Video 9…), hasta llegar a las primeras exposiciones de videoarte (con trabajos de Paik, Vostell, Dan Graham, Gary Hill, etc).

El video fue acogido, según Eugeni Bonet, “como la ‘otra’ televisión, como la negación del centralismo, inmovilismo y control informativo”. El arte, por aquel entonces, se miró en el espejo de las nuevas tecnologías de comunicación y creación (del VTR, pasando por las CAVT hasta llegar al videosintetizador) y en el de los movimientos a favor de los derechos humanos en un sentido muy amplio, huyó del lienzo, del museo y del objeto artístico, adentrándose en nuevos terrenos de experimentación formal y nuevas vías de dirigirse a los valores de la sociedad del momento utilizando la televisión como medio de creación, de comunicación, pero también de distribución. Un claro ejemplo de manejo de estas tres facultades o líneas de acción se muestra en el programa que marca el cénit y el principio de la decadencia de las relaciones entre el arte y la televisión: Good morning, Mr. Orwell de Nam June Paik. El programa se produjo en 1984 en homenaje a la distopía 1984 de George Orwell y fue una coproducción entre la cadena WNET y el museo de arte contemporáneo Georges Pompidou, también fue el primer programa en ser emitido internacionalmente vía satélite. En él se mezclaban actuaciones de artistas como Laurie Anderson, John Cage, Merce Cunningham o Joseph Beuys, con anuncios, fragmentos de otros programas, parodias…

Paik dejó muy claro su punto de vista sobre el nuevo modelo de ‘arte conversacional’ que tenía que surgir para que el mundo, pero sobretodo la gente, con la reestructuración económica y geopolítica que empezaba a sufrir (proceso de globalización, para entendernos), llegara a entenderse: “El arte por satélite en última instancia no se limita a añadir sinfonías y óperas preexistentes a otras tierras. Debe considerar cómo alcanzar una conexión bi-direccional entre lugares opuestos en el globo: cómo dotar al arte de una estructura conversacional; cómo dominar las diferencias horarias; cómo jugar con la improvisación, con el determinismo, los ecos, las retro-alimentaciones y los espacios vacíos en el sentido de Cage; y cómo manejar instantáneamente las diferencias de cultura, los prejuicios y el sentido común que existen entre distintas naciones”. Su utopía murió con él, pero si todo esto ya existió: ¿a qué “otra” televisión nos apuntan las dos exposiciones?

I.

¿ESTAMOS PREPARADOS PARA LA TELEVISIÓN?

En la exposición del MACBA la mayoría de los programas expuestos forman parte del viejo proyecto utópico enraizado en los movimientos “artístico-televisivos” de los años sesenta y setenta que acabamos de mencionar, hasta llegar a mediados de los ochenta, pero el relieve a todo esto apenas se concentra en la última sala de la exposición, aquella en la cual el espectador está demasiado agotado para ver algo. De hecho, es curioso pensar que algunas obras allí expuestas dentro de un tiempo ya no existirán, habrá una pérdida de información debido al desgaste del soporte de las imágenes. A diferencia de las obras plásticas históricas, completamente auspiciadas por brigadas de investigadores, conservadores y restauradores, la obra audiovisual está a merced de las inclemencias del tiempo. ¿Cómo podremos leer las imágenes de nuestro pasado más reciente? ¿Cómo puede ser que imágenes grabadas en los años setenta estén más deterioradas que las imágenes de películas en celuloide de hace más de un siglo?

La exposición viene acompañada de una serie de elementos satélites: un libreto-guía (sin el cual como espectadores es muy difícil orientarse en la exposición), un programa de televisión grabado en el mismo museo y que se puede visionar online dirigido por Albert Serra, unos textos hechos por especialistas que se van colgando en el micro blog del MACBA, un plató móvil situado en el centro de documentación del MACBA donde el ciudadano (sin distinción de edad o género) genera sus propios programas experimentales y una serie de charlas con los representantes de esta ocultada historia de la televisión.

En la exposición nos hallamos ante diez capítulos conceptualizados con la indispensable ayuda de la artista Dora García: 1- Una tribuna por ocupar; 2- Dead Air: aquel indeseable deseo; 3- La televisión como un lugar específico; 4- La televisión como reino o el reino de la televisión; 5- What’s my line?/ ¿Quién soy yo?; 6- El impacto de la novedad; 7- El matrimonio grecolatino: la visión de largo recorrido; 8- El bromista insaciable; 9- On TV: el espíritu de la mímesis; 10- Place/Presentation/Public: Televisión y política.

Para evitar la dinámica del homo zapping, la exposición del MACBA mostró en pantallas horas de programación que van pasando en bucle. Ha omitido las cartelas o explicaciones de los programas (ya incluidos en la guía) y los presentó en pequeños monitores con menús para que el visitante escoja parte de la programación. El exceso de monitores y de programación satura al visitante, como si de una inversión del panóptico se tratara, la cantidad de imágenes anula el ojo y el espectador se convierte en un auténtico visitante y las obras en fugaces pasajes.

EL MEDIO ES LA METÁFORA: ¿QUÉ PODEMOS ENCONTRAR EN LA EXPOSICIÓN DEL MACBA?

Neil Postman llevó un paso más allá la sentencia de McLuhan (6) diciendo que el medio era la metáfora. Según Postman, cada medio, “como la lengua misma, hace posible un modo de discurso único al proporcionar una nueva orientación para el pensamiento, para la expresión, para la sensibilidad ” (7). En este sentido las diferentes herramientas que vehiculan una una cultura generan nuevas metáforas para describir la civilización tal como ella misma se entiende en un momento determinado. Cuando Nam June Paik se compró el primer magnetoscopio portátil (el Portapack de Sony) y grabó en 1965 la comitiva del Papa Pablo VI y lo proyectó por la noche en el Café Go Go de Nueva York, estaba fundando otra manera de trabajar el medio televisivo. El magnetoscopio cambió el mundo de las imágenes, permitió salir al mundo para robarle su imagen y darla a ver acto seguido. En paralelo el videosintetizador de Nam June Paik cambiaba su naturaleza: todo pasaba por la manipulación de una señal. En las secciones de la exposición del MACBA Dead Air: aquel indeseable deseo, El matrimonio grecolatino y en La televisión como un lugar específico, nos encontramos buena parte de su huella.

En estas secciones están las primeras conexiones (o mejor decir desconexiones) con las ferias de arte realizadas por los mismos artistas o realizadores: Jef Cornelis retransmitiendo la Documenta 5 o la performance de James Lee Byars The world question center; también el grupo Telewissen en la Documenta 6 (donde también vemos la retransmisión vía satélite de los trabajos de Beuys, Douglas Davis y Nam June Paik). El colectivo TVTV hace otra cobertura de la gala de los Oscars a partir de la parodia; lo mismo que hace Cornelis en De langste dag, donde retransmite un evento cultural como si se tratara de un partido de fútbol. Otros se enfrentan a la televisión como medio, rompen su estructura de “flujo permanente” (como decía Williams), pero también como aparato (con sus cuatro paredes inquebrantables). Es aquí donde encontramos las TV interruptions de David Hall, el TV as a fireplace de Jan Dibbets (en el que convierte la pantalla del televisor en una lar de fuego) o la televisión-acuario de Peter Weibel (idea que después recogería Manuel Huerga en su época de BTV).

En estas tres secciones también hay cabida para algunos ejemplos de experimentación escenográfica: las piezas de Samuel Beckett (Quad, What-Where, But the clouds), donde rompe con la estética y la narrativa televisiva como derivación coherente de sus piezas teatrales y en prosa, y la obra retro-futurista de Joan Jonas, Double Lunar Dogs, una versión delirante de Universe de Robert Heinlein.


EL FILÓSOFO Y EL ARTISTA ON THE STAGE

En los capítulos Una tribuna por ocupar, El impacto de la novedad y On TV: el espíritu de la mímesis de la misma exposición del MACBA, se recuperan las figuras de artistas y filósofos. Ya no se trata de programas que intervienen sobre el medio o que plantean el formato del programa creativamente, sino que situan a “la figura” en cuestión en el trono de la televisión y le dejan que hable. Es bien sabido que la palabra es la primera víctima del medio televisivo; en estos capítulos, pues, se trata de recuperar el valor de la palabra como portadora y generadora de sentido, aunque pase inevitablemente por la imagen. En la primera sección hablan los filósofos: intervenciones estelares de los ancianos Deleuze y Heidegger, de los pre-mortem Bachelard y Hannah Arendt (grabados un año antes de sus respectivas muertes), Popper, Derrida, Lacan o el mismo Bourdieu que, afectado después de participar en una tertulia televisiva por la imposibilidad de pronunciar un discurso con sentido en el contexto televisivo habitual, grabó su discurso Sobre la televisión como exorcismo personal dentro de un programa de una televisión regional (posteriormente se editó el libro homónimo).

Los programas sobre “las artes modernas” están incluidos en el capítulo dedicado al “impacto de la novedad”, con ejemplos elocuentes como el programa de Soler Serrano, A fondo, La edad de Oro de Paloma Chamorro, Encuentros con las artes y las letras de Carlos Vélez, Civilisation de Kenneth Clark, The Shock of the new de Robert Hughes, La historia del arte moderno contada desde Bogotá de Marta Traba o, más recientemente, Extra-Ghezzi, del intelectual Enrico Ghezzi para la RAI3. Todos estos programas estaban unidos a su presentador como a un cordón umbilical: intelectuales, periodistas, historiadores del arte, grandes profesionales que fueron capaces de abrir espacios de programación cultural de una forma pedagógica, atractiva y, sobre todo, muy crítica.

En la sección On TV queda reflejado el modo cómo nos comportamos en televisión, la forma que la misma televisión impone, aunque de la mano de artistas y escritores, esa forma queda puesta en crisis permanente: el Life Show de Jaime Davidovich, el Arte Electronica de Lucio Fontana, Thinking in loop del ensayista Boris Groys, Joseph Beuys cantando en un programa de varietés, la enciclopedia del “cómo miramos y nos representamos en y a través de las imágenes” de John Berger (Modos de ver), hasta el Gediminas Urbonas donde se plantean la relación entre el arte y la institución a partir de la “Primera manifestación para los medios inestables”.

MÁS ALLÁ DE LA DICTADURA DE LA AUDIENCIA

“La televisión entrega a la gente”, decía el artista Richard Serra en una pieza del 1973 que hizo juntamente con Carlota Fay Schoolman, “pero la entrega a un anunciante”. Si éste es el quid de la cuestión de la televisión mainstream, la dependiente relación entre anunciantes y audiencia (8), la sección La televisión como reino o el reino de la televisión se encarga de cuestionarlo. Incluye la pieza de Richard Serra, la película que hizo Guy Débord como respuesta a las críticas que había tenido su Sociedad del Espectáculo, otro programa realizado por Mark Achbar (9) y Peter Wintonick titulado Manufacturing Consent-Noam Chomsky and the media, donde van alternando una entrevista a Chomsky con diferentes reflexiones sobre el medio. En esta sección también encontramos a los espectadores retratados por Bill Viola en Reverse Television (una pieza que podría ir junto a This is a Television Receiver de David Hall (10)) y la modernidad puesta a debate por Jef Cornelis con su programa Container. Si en un contenedor sólo encontramos escombros, residuos de anónimas cotidianidades, en la mayoría de estos programas “contenedores”, hallamos un espacio de libertad y versatilidad, que no encajan en un género en concreto, de ahí que a menudo parezca que no tienen rumbo fijo; híbridos mutantes que no piensan en un target específico, que no “entregan” la gente a un anunciante, sino que se “entregan” ellos a la misma audiencia a través de las ideas, con todo lo que llevan a cuestas, un repertorio a menudo variopinto, personal e hilarante.

Es a este formato al que responden muchos de los programas de la sección El bromista insaciable: los TV Commercials de Chris Burden, el Test Tube del colectivo General Idea donde se explora la precaria posición del artista en la era de los mass media, el programa chileno de sketchs (con claras alusiones políticas) Plan Z o las parodias de T. R. Uthko y Ant Farm con su Eternal Frame en donde los segundos de imágenes grabados por un aficionado el día de la muerte de Kennedy les sirven de excusa para resucitar un nuevo presidente, completamente crítico con los medios del momento.

CRÍTICA DE LA TELEVISIÓN PURA

Si Jean-Michel Frodon (11) creía que el modelo de una televisión utópica se cerraba con los fracasos del modelo estético de Nam June Paik, el modelo pedagógico de Roberto Rossellini y el modelo de crítica política de Jean-Luc Godard, en esta última sección de la exposición del MACBA (Place/ Presentation/ Public: Televisión y política) por fin llegamos al presente de la televisión, al rostro real de esa “otra televisión posible” un poco a partir de su pasado. Se hallan piezas de colectivos como TVTV, VídeoFreex o Video-Nou, de telecreadores como Alexander Kluge, Harun Farocki o Adam Curtis (los tres en activo), de gente proclive al videoarte como Juan Downey, Marcelo Expósito o Antoni Muntadas. Vemos programas que exploran y fagocitan la idea de control mediático, un poder que se han autoimpuesto los medios de comunicación cuando se han casado con determinadas formas y fuerzas políticas. El ejemplo más claro está en las secciones de telediarios y reportajes de actualidades.

“¿Por qué seguimos confiando en estas imágenes?”, se preguntaba Carles Guerra en un capítulo del programa Soy Cámara (Andrés Hispano, Félix Pérez-Hita, CCCB-TVE, 2010). ¿Por qué seguimos buscando una verdad cuando ésta ya ha sido destronada del medio? En todo caso, todos estos autores nos ayudan a desvincular las grandes verdades de los hechos televisados. En esta sección también se pueden ver los actuales y arriesgados trabajos seleccionados por Félix Pérez-Hita con el título Programas que no pasan por el tubo (y quienes conozcan su trayectoria –Boing Boing Buddha, Gabinete de Crisis, Neokinok.tv, Soy cámara… sabrán de su ojo clínico y de la “magnitud de la parodia”), y de Johan Grimonprez en la sección YouTube me and I tube you.

UNA SERIE DE TELEVISIÓN EN UN MUSEO

La exposición ¿Estáis listos para la televisión? se abre (y continúa en Internet) con la serie realizada por Albert Serra como encargo y filmada en el MACBA. Él mismo se pone en escena y protagoniza la historia: las tribulaciones del artista en el museo, el retrato del joven artista que ya no es adolescente. De hecho es un texto de Fray Luis de León (fragmento de De los nombres de Cristo, 1586) escogido por Serra, el que empieza la exposición: “La leche que se cuaja en el queso, y los pastos que la crían es el propio manjar de los que comienzan en la virtud, como dice San Pablo: ‘Como a niños os di leche y no manjar macizo’. Y así, conforme a esto se entiende que este monte (Monte Cuajado) es general sustento de todos, así de los grandes en la virtud con su grosura, como de los recién nacidos en ella con sus pastos y leche” . Quizás se podría aplicar a su manera de proceder con el cine la frase de “como a niños os di leche y no manjar macizo”.

En todo caso, el MACBA ha hecho una apuesta de riesgo, de esto no cabe duda, y ha puesto en una misma tribuna a Serra y a sus referentes (Dalí, Warhol), allí donde la excentricidad, la disparidad de afectos que generan en el público, la obra prolífica y llena de un vacío expreso de intenciones se dan la mano. Allí donde los otros escandalizaban, Serra se ríe públicamente, reinventa su quijotada en las alcobas de la institución pública. De momento podéis seguir la serie, las publicaciones y la agenda con las charlas que propone el MACBA a través de su página Web. Porque la televisión ya no es un aparato, ni una emisión, sino todo lo que nos llega en este “mundo-pantalla global” a través de cualquier medio de comunicación audio-visual (12), aún no podemos afirmar que estemos listos para ello.

II.

TV/ARTS/TV EN EL ARTS SANTA MÒNICA

La segunda exposición que plantea las relaciones entre el arte y el medio televisivo es la que se pudo ver hasta principios de diciembre en el Arts Santa Mònica con el título de TV/ARTS/TV. En ella la televisión se enfocaba más desde un punto de vista objetual que como contenedor de programas (aunque hay bastantes), siguiendo con el binomio, más desde el punto de vista del arte que de la televisión. En ella encontramos From Receiver to Remote Control…channeling Spain 2010, una historia de la televisión española y de la televisión norteamericana elaborada por Judith Barry y Ken Saylor. Se trataba de una adaptación de una exposición previa que hicieron en 1990, donde se mostraban los programas de televisión más representativos y cómo la televisión había transformado el espacio social de los hogares y las relaciones familiares. En esta instalación se buscaron los paralelismos entre el proceso de asentamiento de la “democracia participativa” en España y Estados Unidos a través de una cronología de las imágenes que la han representado respectivamente.

En la exposición también se pudieron ver obras de artistas hechas para la televisión (Chris Burden, Nam June Paik, Bill Viola, John Cage, Andy Warhol o Antoni Muntadas, entre otros), así como varias conocidas instalaciones, a destacar: el Production/ Reception (1976) de Dan Graham, el Magnet TV (1965-1995) de Nam June Paik, el Die Winde (1981) de Wolf Vostell, la Confrontations TV (1973-74) de Antoni Muntadas e In Situ (1986) de Gary Hill. En el terreno actual, la exposición incorporaba workshops interuniversitarios sobre arte y tecnología: las video-esculturas robóticas de “Bestiario”, la instalación audiovisual computerizada de “Telepresentadora” o el proyecto “Sistema a distancia de alerta temprana”.

Este último proyecto de un grupo de investigación de la Kunsthochschule für Medien de Colonia, con su interrogación sobre los archivos de la memoria televisiva reciente y su almacenamiento, entronca con la Zapping Zone (1990) de Chris Marker, incluida en la exposición. Zapping Zone parte de la película Stalker (1979) de Andrei Tarkovski, en ella los protagonistas, víctimas de un cataclismo natural, buscan acceder a “la Zona”, puesto que se cree que allí encontrarán una habitación a través de la cual todos los deseos se harán realidad. Marker instala en monitores de ordenadores y diferentes pantallas imágenes nacidas de las máquinas, todas enredadas en una cueva-matriz (inicialmente se tenía que llamar Software/Catacombs), como si de una mega-memoria se tratara. Algunas imágenes nacen de su filmografía, de sus recuerdos personales, otras de algunas obras a las que él se hermana (13).

En todo caso, si dejo a Marker para el final, es porque en su obra coinciden las potencias del arte y de la televisión a partes iguales; en ella parece esclarecerse la propia etimología de la televisión -“ver a distancia”- y positivizarse la peyorativa dinámica del zapping: el cambio de imágenes se produce cualitativamente, es un salto afectivo, de resonancia por analogía mórfica. Finalmente, en ella vislumbramos el principio del sueño de Malraux y su “museo imaginario”, esa idea de que el poder y fuerza de las imágenes consigue sublevarse a la dictadura del espacio-tiempo, de que los tiempos y las figuras se tocan a través de las imágenes, como en la más perfecta de las memorias: el cuerpo presente y su doble pasado y futuro coinciden en un momento fuera del tiempo, pero gracias a él. La televisión, por sus características formales, podría resultar esta cueva-matriz de imágenes que resarzan nuestro presente y con él nuestra memoria futura. Nos tendremos que esperar a otra exposición donde se nos muestre no tanto de dónde venimos, sino dónde estamos y quizás atisbos del hacia dónde vamos.

III.

EL FUE VS. EL SERÁ

El fetichismo ya existente alrededor de muchas de las piezas presentadas en ambas exposiciones (formando parte de un pasado mítico de la historia del arte, que no de la televisión) hace que nos preguntemos hasta qué punto ambas exposiciones responden a su intención de mostrar “un modelo de otra televisión posible” o si, por contra, testifican el final del sueño utópico de una televisión que nunca más será. Ésta es la impresión que dejan, aunque sabemos que la realidad es otra, pero queda fuera del marco de ambas exposiciones, fuera de su punto de mira. Es extraño que el Centro George Pompidou co-produjera en 1984 el primer programa vía satélite (Good morning, Mr. Orwell) o el proyecto desarrollado por Chris Marker Immémory hace más de diez años atrás y que hoy en día el museo siga ejerciendo su poder de custodiar tumbas y reliquias, pagando a precios inverosímiles la cultura del pasado y dejando a merced de los especuladores culturales y de la desesperación a los nuevos creadores audiovisuales, protagonistas, a duras penas, de la televisión que vendrá.

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Notas

(1) “Una plaga, en palabras de Antonin Artaud, es aquello capaz de abrirse camino y acceder a todos los estratos de un organismo, desorganizándolo completamente, pero dándole una oportunidad única de liberarse de sí mismo”, texto introductorio de la exposición.
(2) Foucault, M., “Desaprender (de-discere) es una de las tareas importantes del cultivo de sí”; Estética, ética y hermenéutica, Paidós Básica, 1999, Barcelona.
(3) Fragmento de una conversación entre Fran Ilich y Pedro Jiménez en La televisión no lo filma, edición a cargo de Zemos98, Sevilla, 2006, p. 122.
(4) Bourdieu, P., Sobre la televisión, Anagrama, 1996, Barcelona
(5) Youngblood, G., Expanded Cinema, edición online a cargo de ARTSCILAB, 2001 (1ª ed. 1970 a largo de E. P. Dutton)
(6) McLuhan, M., The medium is the message, 1967.
(7) Postman, N., Divertim-nos fins a morir, Llibres de l’Índex, 1990, Badalona, p. 22.
(8) Walter Lippman ya asentó firmemente las bases en su ensayo Public Opinion.
(9) Dirigió el aclamado y clarividente documental The corporation (2003), donde también entrevista, entre otros, a Noam Chomsky.
(10) Podemos verla en la sección de la exposición La televisión como un lugar específico.
(11) Artículo publicado en Cahiers du Cinéma.
(12) La exposición Pantalla Global tendrá lugar en el CCCB a finales del 2011.
(13) Este proyecto lo perfeccionará unos años más tarde con su CD-Rom Immémory.

ATLAS MNEMOSYNE A MADRID

Fechas: 26 de noviembre - 28 de marzo
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Co-organiza: ZKM Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe y Sammlung Falckenberg Phoenix Kulturstiftung
Comisario: Georges Didi-Huberman
Actividades relacionadas:
Georges Didi-Huberman. Presentación de la exposición
Atlas. La imagen-historia. Felipe Pereda y Fernando Checa. Conferencia
Ideas en fuga. Pasión, conocimiento y memoria en la teoría de la imagen de Aby Warburg. Seminario internacional


A partir del Atlas Mnemosyne

La mitología griega cuenta que el titán llamado Atlas, junto a su hermano Prometeo, quiso enfrentarse a los Dioses del Olimpo para quitarles su poder y dárselo a los hombres. Cuenta que fue castigado en la misma medida de su fuerza: mientras un buitre le arrancaba el hígado a Prometeo en los confines del Este, Atlas, en el Oeste, (entre Andalucía y Marruecos) fue obligado a sostener con sus hombros el peso de la bóveda celeste entera. Cuenta también que llevar esta carga le hizo adquirir un conocimiento infranqueable, y una sabiduría desesperante. Fue precursor de astronautas y geógrafos, incluso algunos dicen que fue el primer filósofo. Dio su nombre a una montaña (el Atlas), a un océano (el Atlántico) y a una forma arquitectónica antropomórfica (el Atlante) que sirve como columna de soporte.

Atlas, finalmente, dio su nombre a una forma visual de conocimiento: al conjunto de mapas geográficos, reunidos en un volumen, generalmente, en un libro de imágenes, y cuyo destino es ofrecer a nuestros ojos, de manera sistemática o problemática – incluso poética a riesgo de errática, cuando no surrealista – toda una multiplicidad de cosas reunidas allí por afinidades electivas, como decía Goethe. El atlas de imágenes se convirtió en un género científico por derecho propio a partir del siglo XVIII (pensemos en el libro de láminas de la Enciclopedia) y se desarrolló considerablemente en los siglos XIX y XX. Encontramos atlas muy serios, muy útiles – generalmente muy bonitos – en el ámbito de las ciencias de la vida (por ejemplo los libros de Ernst Haeckel sobre las medusas y otros animales marinos); existen atlas más hipotéticos, por ejemplo en el ámbito de la arqueología; también tenemos atlas totalmente detestables en el campo de la antropología y la psicología (por ejemplo el Atlas del hombre criminal de Cesare Lombroso o algunos de los libros de fotografías «raciales» constituidos por pseudo-eruditos del siglo XIX).

En el ámbito de las artes visuales, el atlas de imágenes, Atlas Mnemosyne, compuesto por Aby Warburg entre 1924 y 1929, que quedó inacabado, constituye para todo historiador del arte –e incluso para todo artista hoy– una obra de referencia y un caso absolutamente fascinante. Aby Warburg transformó el modo de comprender las imágenes. Él es para la historia del arte el equivalente a lo que Freud, su contemporáneo, fue para la psicología: incorporó cuestiones radicalmente nuevas para la comprensión del arte, y en particular la de la memoria inconsciente. Mnemosyne fue su paradójica obra maestra y su testamento metodológico: reúne todos los objetos de su investigación en un dispositivo de “paneles móviles” constantemente montados, desmontados, remontados. Aparece también como una reacción de dos experiencias profesionales: la de la locura y la de la guerra. Se puede ver entonces como una historia documental del imaginario occidental (heredero en estos términos de los Disparates y los Caprichos de Goya) y como una herramienta para entender la violencia política en las imágenes de la historia (comparable en esto a un compendio de los Desastres).


En la mesa de montaje

Atlas — ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? es una exposición inter-disciplinaria que recorre el siglo XX y nuestro reciente siglo XXI, eligiendo el atlas de imágenes Mnemosyne como punto de partida. A pesar de todas las diferencias de método y contenido que pueden separar la investigación de un filósofo-historiador y la producción de un artista visual, quedamos impactados por su común método heurístico —o método experimental— cuando se basa en un montaje de imágenes heterogéneas. Descubrimos entonces que Warburg comparte con los artistas de su tiempo una misma pasión por la afinidad visual operatoria, lo que le convierte en contemporáneo de artistas plásticos de vanguardia (Kurt Schwitters o László Moholy-Nagy), fotógrafos de “estilo documental” (August Sander o Karl Blossfeldt), cineastas de vanguardia (Dziga Vertov o Sergei Eisenstein), de escritores que ensayaban el montaje literario (Walter Benjamin o Benjamin Fondane), e incluso de los poetas y artistas surrealistas (Georges Bataille o Man Ray).

La exposición Atlas no ha sido concebida para reunir maravillosas pinturas, sino para ayudar a comprender cómo trabajan algunos artistas –en relación con eventuales obras maestras– y cómo este trabajo puede considerarse desde el punto de vista de un método auténtico e, incluso, desde un conocimiento transversal, no estandarizado, de nuestro mundo. En esta exposición no se ven las bellas acuarelas de Paul Klee, sino su modesto herbario y las ideas gráficas o teóricas que brotaron de él; no se ven los modernos “cuadrados” de Joseph Albers, sino su álbum de fotografías realizado alrededor de la arquitectura precolombina; tampoco las inmensas pinturas de Rauschenberg, sino una serie de fotografías reuniendo objetos tan modestos como heteróclitos; no se ven las magníficas pinturas de Gerhard Richter, sino una sección de montajes realizados para su Atlas de larga duración; no se ven los cubos minimalistas de Sol LeWitt, sino sus montajes fotográficos en las paredes de Nueva York. Antes que las pinturas (como resultado del trabajo) hemos preferido, esta vez, las mesas (como espacios operativos, superficies de juego o realización del trabajo mismo). Y al caminar por la exposición descubrimos que los supuestos “modernos” no son menos subversivos que los “posmodernos”, y que éstos no son menos metódicos y preocupados por la forma que los “modernos”. Constituye una nueva forma de contar la historia de las artes visuales alejada de los esquemas históricos y estilísticos de la crítica académica del arte.


Reconfigurar el orden de las cosas

Cuando colocamos diferentes imágenes —o diferentes objetos, como las cartas de una baraja, por ejemplo— en una mesa, tenemos una constante libertad para modificar su configuración. Podemos hacer montones, constelaciones. Podemos descubrir nuevas analogías, nuevos trayectos de pensamiento. Al modificar el orden, hacemos que las imágenes tomen una posición. Una mesa no se usa ni para establecer una clasificación definitiva, ni un inventario exhaustivo, ni para catalogar de una vez por todas —como en un diccionario, un archivo o una enciclopedia—, sino para recoger segmentos, trozos de la parcelación del mundo, respetar su multiplicidad, su heterogeneidad. Y para otorgar legibilidad a las relaciones puestas en evidencia.

Esta es la razón por la que Atlas nos muestra el juego al que se entregan numerosos artistas, esa “historia natural infinita” (según la expresión de Paul Klee) o ese “atlas de lo imposible” (según la expresión de Michel Foucault respecto a la erudición desconcertante de Jorge Luis Borges). Se descubre, entonces, el sentido en el que los artistas contemporáneos son “sabios” o precursores de un género especial: recogen trozos dispersos del mundo como lo haría un niño o un trapero, Walter Benjamin comparaba estas dos figuras con el auténtico sabio materialista. Hacen que se encuentren cosas fuera de las clasificaciones habituales, sacan de estas afinidades un género de conocimiento nuevo, que nos abre los ojos sobre aspectos del mundo inadvertidos, sobre el inconsciente mismo de nuestra visión.


Reconfigurar el orden de lugares

Hacer un atlas es reconfigurar el espacio, redistribuirlo, desorientarlo en suma: dislocarlo allí donde pensábamos que era continuo, reunirlo allí donde suponíamos que había fronteras. Arthur Rimbaud recortó un día un atlas geográfico para consignar su iconografía personal con los trozos obtenidos. Más tarde, Marcel Broodthaers, On Kawara o Guy Debord inventaron muchas formas de geografías alternativas. Aby Warburg, por su parte, ya había entendido que cualquier imagen —cualquier producción de la cultura en general— es un cruce de múltiples migraciones: es en Bagdad, por ejemplo, donde buscaría los significados inadvertidos de algunos frescos del Renacimiento italiano.

Son numerosos los artistas contemporáneos que no se conforman solo con un paisaje para contarnos la historia de un país: es la razón por la que hacen que coexistan, en una misma superficie — o lámina de atlas — diferentes formas para representar el espacio. Es una forma de ver el mundo y de recorrerlo según puntos de vista heterogéneos asociados unos a otros, como podemos observar en las obras de Alighiero e Boetti, de Dennis Oppenheim o, más generalmente, en la manera en la que ha sido enfocada la metrópolis urbana, desde El hombre con la cámara de Dziga Vertov hasta las instalaciones recientes de Harun Farocki.


Reconfigurar el orden del tiempo

Si el atlas aparece como un trabajo incesante de recomposición del mundo, es en primer lugar porque el mundo mismo sufre constantemente descomposiciones, una detrás de otra. Bertolt Brecht decía de la “dislocación del mundo” que ella es “el verdadero sujeto del arte” (basta con pensar en el Guernica para poder entenderlo). Aby Warburg, por su parte, veía la historia cultural como un verdadero campo de conflictos, una “psicomaquia”, una “titanomaquia”, una “tragedia” perpetua. Se podría decir que muchos artistas han adaptado este punto de vista reaccionando a las tragedias históricas de su tiempo con un trabajo en el que, una vez más, el montaje ocupa el papel central: los fotomontajes de John Heartfield en los años treinta, y más recientemente las Historia(s) del cine de Jean- Luc Godard y el trabajo de artistas como Walid Raad o Pascal Convert.

Es, pues, el tiempo mismo el que se vuelve visible en el montaje de imágenes. Corresponde a cada cual —artista o sabio, pensador o poeta— convertir tal visibilidad en la potencia de ver los tiempos: un recurso para observar la historia, para poder manejar la arqueología y la crítica política, “desmontándola” para imaginar modelos alternativos.

Georges Didi-Huberman

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP

Aquesta setmana estrenem al Truffaut la pel·lícula dirigida per BANKSY, EXIT THROUGH THE GIFT SHOP. Encara també podreu veure FILM:SOCIALISME de Jean-Luc Godard.

Recomano que aquell que es vulgui deixar sorprendre per aquesta fantàstica pel·lícula llegeixi la crítica després d’haver-la vist. Fa temps que vinc seguint l’obra de l’street artista Banksy, el més polèmic i prolífic dels guerrillers de l’art de carrer, houdini esprai en mà, trànsfuga, milionari en potència, provocador i dislocador de totes les convencions. Banksy s’ha filtrat en totes les institucions per mostrar la seva fragilitat: ha penjat falsos quadres que mesclen escenes de quadres clàssics de la història de l’art amb elements de la nostra cultura de consum hipercapitalista (els lotus de Monet amb un carretó de compra) als museus més emblemàtics (MOMA, Tate, etc.), ha colat un ninot amb la silueta d’un pres de Guantanamo a Disnelandia, ha retratat a la 20th Century Fox com una macrocorporació que ha deslocalitzat la seva producció a Corea del Sur i explota als seus treballadors en els crèdits d’un dels capítols dels Simpson (una producció de la mateix companyia), ha pintat el mur de Cisjordània, les parets de Nova Orleans després del pas de l’huracà Katrina, ha empapat els carrers d’arreu del món amb els seus stencils. Ha aconseguit provocar un discurs conspiranoic entre els mitjans de comunicació que alimenten les seves seccions de cultura amb el procés de captura de l’artista que, com el soldat desconegut, segueix la seva causa en complet anonimat. Molts es pregunten si ha arribat a existir. Confirmo que existeix, que a una amiga li mou la seva obra, que és de carn i ossos, que allò heroic passa per la persistència i per allò estrictament humà, tan humà que es deu fer estrany als ulls dels qui ostenten tot tipus de poder. De totes maneres no és gens deshonest que quan es pensi en Banksy la gent imagini una flota d’artivistes dispersats i conxorxats arreu del món, molts d’aquests street artistes podrien afirmar que “ells també són Banksy”, o Espartac, en definitiva, la paraula del poble, la veu del mur. Que els mitjans embogeixin, que les sales de subastes d’art venguin obres seves per quantitats astronòmiques no fa res més que corroborar el seu discurs de base, només cal veure alguns dels seus més modestos stencils per adonar-nos-en: heus aquí la perversitat dels mitjans de comunicació de masses, la banalitat de l’art, el cinisme del poder polític i la societat del control, l’asfíxia del model de vida capitalista. Ni més ni menys. A Banksy ja no li cal fer com abans, falsejar diners com un acte performàtic, ja en fa prous, però el que sí que ha sabut fer aquest cop és invertir-los per sorprendre’ns de nou amb un altre tour de force. Banksy s’ha posat a dirigir el seu propi documental, una òpera prima que es va estrenar a Cannes, Sundance i que ha passat per festivals com el de San Sebastián aquí a Espanya. Documental? Ficció? Mockumentary? Una mica de tot plegat.
Si els mitjans es preguntaven qui era Banksy, en aquest cas Banksy ens obliga a preguntar-nos què és l’art? Què és el cinema? Què vol dir ser artista o cineasta? És tot plegat una gran broma? Ens ensenya a torejar les institucions i els conceptes a partir dels quals els mitjans i els experts expliquen la realitat, en la mateixa mesura que com a espectadors som torejats per una de les intel·ligències més perspicaces. Banksy ho lliga tot de tal manera que et porta per on ell vol, els espectadors acabem sent petits insectes en la seva teranyina. De què va, però, aquesta pel·lícula que porta per títol “Sortida per la botiga de regals”? Ell mateix s’encarrega d’anunciar-ho al principi de la pel·lícula: “és bàsicament la història d’un home que intenta filmar allò infilmable i fracassa”. El documental és vàries coses alhora: un retrat de l’escena de l’street art a partir dels seus protagonistes (Shephard Fairey, Space Invader, Monsieur André, Zeus, etc.), una sit-com interpretada per artistes, artistillos, nerds entranyables, obrers de l’art i estafadors de tota mena, un documental sobre com fer un documental i un document sobre com transformar-se en artista. Els dos protagonistes principals són Banksy i Thierry Guetta, un suposat venedor que filma tot el que es troba davant seu; un dia decideix documentar l’escena de l’street art a Los Angeles fins que, a partir d’una coincidència, es troba amb Banksy. Aquest l’anima a que faci el documental, però veient el primer muntatge, Banksy decideix invertir els termes: ell serà el documentalista, i el maníac obsessiu francès serà l’artista. La pel·lícula ha deixat molts interrogants sobre la suposada identitat de Guetta, que esdevé l’alter ego de Banksy, la mateixa incògnita que ha despertat l’street artista britànic amb la seva pròpia biografia. Fake o no fake, el joc de miralls que estableix la pel·lícula reflexa un gran buit, ens fa conscients de l’arbitrareitat que hi ha darrera molts dels fenòmens culturals als quals estem assistint, de com en són de gratuïts alguns dels motius al voltant dels quals es mouen millons de dólars a diari. No és cap novetat, però Banksy en fa la prova, i a més a més amb un humor digne dels millors Monthy Python, nascuts també a “Britannia”, pàtria de l’humor, el sarcasme, el documental i d’un dels museus més antics i més vanagloriats de la història. Banksy ho reuneix tot i, com en el millor dels moments cinematogràfics de Text Avery, a cada escena la segueix el seu cop d’efecte, l’espectador riu, però resta sense descans. Com deia en Bugs: "Hold on to your hats, folks, here we go again!”

FOTOS MINIPUT 2010

Miniput 2010

Auditori

Espectadors

Davant de l'auditori

Hall


AQUÍ podeu trobar les fotos de la 16a edició del MINIPUT (mostra de TV de qualitat), pel qual van passar més de 1.000 persones en més de dotze hores intensives de programació i debats. Gràcies a tots/es els que hi vau assistir. Continuem a facebook, al BLOG i a la PÀGINA WEB.

A UNA SETMANA DEL MINIPUT! 4 de desembre al CCCB de 9.30 a 22.30h

 www.miniput.cat

"La televisión es cada vez menos informativa y se entrelaza más con el infotainment. La televisión pública está cuestionada y en revisión en casi todo el mundo y los poderes ya no pueden marcar el territorio con sus licencias. La televisión llega por todos lados. Primero fueron las parabólicas que florecían en las azoteas de los países democráticos y de aquellos que las prohibían. Ahora, internet, cada vez más imparable por muchos proxys y firewalls colocados por los censores. Edward R. Murrow, el hombre que desafió la caza de brujas del senador Joseph R. McCarthy desde la CBS ya se quejaba en 1958 cuando pronunció su famoso discurso antes los directores de informativos de televisión. Entonces Murrow se quejaba de que "el más poderoso instrumento de comunicación para insuflar en la ciudadanía las duras realidades que debemos afrontar si queremos sobrevivir no estaba a la altura de los ciudadanos. Ya creía que el público es más razonable, contenido y maduro de lo que creen la mayoría de los programadores. Y entonces la televisión estaba en la inocencia de la infancia. Las alternativas informativas de la imagen crecen ahora. (...) Pero, ¿será la nueva televisión como la vieja? Sirve de algo tener tanta oferta, tantos canales, tanta tecnología, tantas pantallas?", Juan Varela, "La televisión es personal" dins de "La televisión no lo filma", Zemos98

SPIKE JONZE ABANS I ARA

Arcade Fire, "Suburbs"


Sonic Youth, "100%"

Spike Jonze va ser un dels grans protagonistes de l’anomenada época del “videoclip d’autor”, o si no se’n deia així, com a mínim així se’ls considerava. Gondry, Cunningham, Fincher, Godley i el mateix Jonze. La seva petjada en les noves narratives cinematogràfiques és indiscutible, i no crec que trobi ningú que ho discuteixi, més aviat és el contrari, els seus noms ja estan precintats al mausoleu de la història, a les acadèmies, als bars, sobretot als bars amb vapors anglosaxons. El que està clar és que van aconseguir explicar històries de 3 minuts, microfilms, aprofitant les limitacions temporals i de vegades pressupostàries, per inventar un nou abc del relat audiovual, nous estils, quelcom que el curtmetratge va fer d’una manera molt més lenta i soferta; molt abans de Youtube, les seves píldores ens van curar de moltes decepcions cinematogràfiques. Aquest mes Spike Jonze ha fet un videoclip per la banda canadenca Arcade Fire (grup de culte de masses avui en dia, coherents arreu i a cada moment de la seva trajectòria musical): The Suburbs. Veient aquest microfilm he recordat un altre videoclip que va fer el realitzador l’any 1992: 100% de Sonic Youth. La història també estava ambientada en un suburbi, la violència, el control policial, les eufòries adolescents, tot això també hi era. Però sorprèn com canvien les formes. Ara els adolescents són pre-púbers i porten pistoles (tot i que siguin de mentida), els canvis en les tonalitats del de Sonic Youth (alternació entre blanc i negre i color, imatge cremada…) passen a transformar-se en atmòsferes hipercolorides a partir d’imatges que s’acosten més a la realitat virtual en 3D que a la llum que ens apreta la retina, i apreta més en un suburbi, tot apreta més. En el primer la història és secundària, les imatges col•lisionen i una narració sense argument va fluint al ritme dels skaters. A la segona el fil argumental és taquigràfic, canvia els skaters per bicicletes, i tot passa en un dia en un present massa concret. En el primer les emocions són més subtils, fins i tot banals, en el segon passem d’una felicitat extrema a l’horror en persona. He escrit tot això perquè en veure el nou vídeo, malgrat que és fantàstic, m’he sentit decepcionada davant una realitat excessivament cristal•litzada. És això la hiperrealitat de la qual ens parlava Baudrillard? La substitució del real pel seu doble operatiu ? Els nostres “funny games”? De fet només volia fer com el vell vora el riu: veure com la pedra no es mou, pero al pas de l’aigua la seva forma canvia. I com canvia!

Patti Smith guanya el National Book Award

Patti Smith: Dream of life (2008)

Patti Smith ha guanyat el National Book Award (premi nacional de les lletres d'Estats Units) amb ÉRAMOS NIÑOS.

EL BAF CRUEL DE LA DICTADURA DE L'AUDIÈNCIA

in girum imus nocte et consumimur igni (introduccion) from manuel puentes on Vimeo.

In girum imus nocte et comsumimur igni, Guy Debord, que comença: "no haré en esta película ninguna concesión al público (...) en todas las épocas nada importante se ha comunicado haciendo concesiones al público (...) este público tan privado de libertad y que lo ha soportado todo, merece menos que cualquier otro ser tratado con miramientos"

Us deixo un article de El País: LA CRUEL DICTADURA DE LA AUDIENCIA

de bandes sonores, sèries i alumnes

Arrel d'una conversa que hem tingut avui amb alguns dels alumnes de la UdG penjo algunes de les millors bandes sonores d'algunes de les millors sèries de televisió.



The Wire. Cançó: Down in the hole (original: Tom Waits)




The Wire. Cançó: Fast Train (Solomon Burke)




Twin Peaks. Música: Angelo Badalamenti


MAD MEN. Cançó: Manhattan, Ella Fitzgerald

http://www.plus.es/videos/Series/B-S-Mad-Men-Cap-Manhattan-Fitzgerald/20080604pluutmsrs_9/Ves/




True Blood. Cançó: Jace Everett, Bad Things




Breaking Bad. Cançó: Mick Harvey (col·labora amb Nick Cave)




The Sopranos. Cançó: Nick Lowe, The beast in me




The Sopranos. Cançó: Frank Sinatra, It was a very good year




Dr. House. Cançó: Massive Attack, Teardrop




Dr. House. Cançó: Gomez, See the world




Six Feet Under (a dos metros bajo tierra). Cançó: Interpol, Direction



Breaking Bad: Cançó: Dave Porter.

MOVE COMMONS

FONT: Medialab Prado

Breve descripción

Move Commons (MC) es una simple herramienta para iniciativas, colectivos, ONGs y movimientos sociales para que declaren los principios básicos a los que están comprometidos. MC sigue la misma mecánica de Creative Commons al "etiquetar" los trabajos culturales, proporcionando un sistema de auto-etiquetado estandarizado, usable, bottom-up, para cada iniciativa, con 4 iconos y algunas keywords. En este evento se presentará el estado del sistema actual, se explicarán sus distintas partes, cómo adoptarlo y beneficios asociados.

MC está aún en un estado alfa de desarrollo, por lo que estamos abiertos a las reacciones y contribuciones de la comunidad, tanto en formas de mejorarlo como en colaboraciones más permanentes al unirse a nosotros. Esta iniciativa ha sido desarrollada bajo el paraguas de la asociación Comunes y ha sido construida por diversos voluntarios en distintos países (entre ellos, Javier de la Cueva).

Acerca de

Move Commons es una herramienta simple y efectiva que permite a iniciativas y colectivos declarar los principios fundamentales sobre los cuales se basan. Para un vistazo rápido, visita estas diapositivas. Para ver el funcionamiento de Move Commons, observa la vista previa. Puedes encontrar información adicional en la lista de posibles implicaciones o ennuestro blog (inglés).
Nos gustaría remarcar que Move Commons está fuertemente inspirados por las ideas de Creative Commons, de forma similar a cómo Creative Commons construyó sobre el avance del GNU GPL.
Move Commons es una iniciativa de la Asociación Comunes, una organización sin ánimo de lucro centrada en el fomento de los Comunes, esos recursos que son propiedad de un colectivo o compartidos dentro de poblaciones. Comunes funciona como un “paraguas” para una serie de iniciativas interrelacionadas, y está dirigida completamente por voluntarios.
Esto aún es un trabajo en desarrollo, así que, por favor, colabora con nosotros: ¡Esperamos vuestro feedback!

http://movecommons.org/es/

Apunts per a una futura novel·la de ciència-realitat 2

'Alicia Croft', la superheroína del PP catalán que lucha contra la inmigración y los independentistas
El PP catalán ha llevado su lucha contra la inmigración irregular a un videojuego que tiene a su candidata a la Generalitat, Alícia Sánchez-Camacho, como protagonista, quien bajo el alias de "Alícia Croft" lucha también contra los independentistas.
El juego, denominado «Rescate» y creado por las Nuevas Generaciones del PPC, convierte a la líder popular en una heroína que se encarga de erradicar independentistas, desempleo e inmigrantes ilegales. Cargada con un arsenal de bombillas, «Alicia Croft» lanza ideas a los principales problemas que sobrevuelan -literalmente- el cielo catalán.
En el videojuego, que está en la web del PP catalán y que tiene una aplicación para móviles, la candidata también debe disparar contra un zepelín independentista o bien contra un icono que representa la falta de libertad lingüística en Cataluña, y suma puntos al coger barretinas, monteras, paellas y butifarras que salen a su paso.

Apunts per a una futura novel·la de ciència-realitat

En el blog, a part de penjar actualitat, coses que m'interessen, els residus d'algun neguit, temps morts i altres afeccions (algunes del tot inútils), deixaré que sigui un calaix de sastre que reculli aquelles notícies que em poden servir per a l'elaboració d'una futura novel·la de ciència-realitat. Em pot servir a mi o a qui sigui, però si algú vol posar-s'hi, bo seria fer-ho col·lectivament. Qui vulgui fer-me arribar informació que encaixi amb el títol del post, pot fer-ho quan vulgui a través del correu electrònic.


Diminished Reality is the opposite of Augmented Reality. Augmented Reality developers aim to tag, identify, enhance and provide information on everything around us. By contrast, the field of Diminished Reality is the study and research into tools that remove parts of the world around us. The artistic applications are endless, but practical applications are:

* surgeons removing (or reducing opacity of) their hands during an operation, allowing them to see only their instruments and the patient
* concert-goers remixing live music, removing instruments and crowd noise but still being able to talk to the friend next to them
* cinema-goers removing the head of the person in front of them
* removal of crowds at events of all kinds, enabling better viewing
* soldiers being able to remove walls and buildings to see the people behind them
* police cameras that remove non-suspicious people from a view, enabling easier trackng through CCTV
* study the night sky by removing your roof, cloud cover and light pollution
* car windscreens that remove billboards and other distracting advertising
* touchscreen cameras that allow dynamic, live removal of people that are getting in the way of your shot.
* more enjoyable train journeys where commutees can enjoy a 360 degree view as they speed through the countryside
* the ability to progressively remove elements from a scene in order to isolate and study specific parts of it
* imagine losing your child in a crowd and being able to remove everyone around you except the child
* find your car in a busy carpark by optically removing all other cars
* identify your blind date immediately by subtracting people who are clearly not her

Clearly, the applications are many and wide. It’s also evident that we already have Diminished Reality devices, although they are still pretty unsophisticated. Ultrasound baby monitors, x-ray machines, noise-cancelling headphones and heat-detecting police cameras all point to where this technology is taking us.

TEXT FINAL ACTA

EL TEXT FINAL D'ACTA AQUÍ!!!

QUÈ ÉS ACTA?
(Font: Wikipedia/ES)
Anti-Counterfeiting Trade Agreement
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a navegación, búsqueda

El Anti-Counterfeiting Trade Agreement (ACTA, Acuerdo comercial anti-falsificación) es una propuesta para un acuerdo comercial plurilateral, según sus promotores, en respuesta al "incremento de los bienes falsificados y obras protegidas por copyright pirateadas en el mercado global".[1] El ámbito de ACTA es amplio, incluyendo la falsificación de bienes físicos, así como la "distribución en Internet y las tecnologías de la información".[2]

En octubre de 2007, los Estados Unidos, la Comisión Europea, Suiza y Japón anunciaron que negociarían ACTA. Además, los siguientes países se han unido a las negociaciones: Australia, Corea del Sur, Nueva Zelanda, México, Jordania, Marruecos, Singapur, los Emiratos Árabes Unidos, Canadá.[2] Las negociaciones de ACTA se llevan en secreto. El 22 de mayo de 2008 un documentado de discusión sobre el acuerdo fue filtrado a través de Wikileaks, lo cual fue seguido de múltiples noticias en los medios.[3] [4] [5] [6]

En un principio estaba planeado que las negociaciones concluyeran a finales de 2008,[1] sin embargo en noviembre de 2008 la Comisión Europea afirmó que estas continuarían durante 2009.[7]

En la siguiente ronda de negociaciones (la sexta) el anfitrión fue Corea del Sur, en Seúl, del 4 a 6 de noviembre de 2009.[8] En la quinta ronda de negociaciones, en Marruecos en julio 2009, los participantes indicaron que su intención era concluir el acuerdo "lo antes posible en 2010".[9] Según Nueva Zelanda, ACTA establecería "un nuevo marco legal internacional" y "el objetivo de ACTA es poner un nuevo, y más alto punto de referencia sobre la aplicación de los derechos de propiedad intelectual al que los países se pueden unir voluntariamente."[1]

Términos y plazos similares aparecen actualmente en el borrador del tratado SECURE de la Organización de Aduana Mundial,[10] y los críticos han argumentado que las previsiones de antievasión del Título I de la Digital Millennium Copyright Act era de igual modo aprobado después de políticas ocultas vía los tratados negociados a través de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual

NOVA TEMPORADA DEL DR. REPRONTO

Entrevista a Raul Minchinela per Hype. AQUÍ.

10è aniversari Cinema Truffaut, dimecres 17 de novembre del 2010

Teaser "Copia Conforme"
CELEBREM EL DESÈ ANIVERSARI AMB LA PREESTRENA A L'ESTAT ESPANYOL DE "LA NOCHE QUE NO ACABA", LA DARRERA PEL·LÍCULA D'ISAKI LACUESTA,UNA SELECCIÓ DEL MILLOR CINEMA QUE HA PASSAT PER LA NOSTRA SALA (SESSIONS GRATUITES) I CONTINUEM AMB LA PROJECCIÓ DE "COPIA CERTIFICADA", LA DARRERA OBRA MESTRA D'ABBAS KIAROSTAMI

DIMECRES 17, PRESENTACIÓ DEL DOCUMENTAL "LA NOCHE QUE NO ACABA" A CÀRREC DEL SEU DIRECTOR ISAKI LACUESTA

Carta de Santiago Sierra

L'artista Santiago Sierra ha renunciat al Premi Nacional (dotat amb 30.000 euros) i adjuntava aquesta fantàstica carta (extreta del blog CONTRAINDICACIONES). AQUÍ l'original. AQUÍ la web de l'artista.

Madrid, Brumaire 2010

Estimada señora González-Sinde,

Agradezco mucho a los profesionales del arte que me recordasen y evaluasen en el modo en que lo han hecho. No obstante, y según mi opinión, los premios se conceden a quien ha realizado un servicio, como por ejemplo a un empleado del mes.

Es mi deseo manifestar en este momento que el arte me ha otorgado una libertad a la que no estoy dispuesto a renunciar. Consecuentemente, mi sentido común me obliga a rechazar este premio. Este premio instrumentaliza en beneficio del estado el prestigio del premiado. Un estado que pide a gritos legitimación ante un desacato sobre el mandato de trabajar por el bien común sin importar qué partido ocupe el puesto. Un estado que participa en guerras dementes alineado con un imperio criminal. Un estado que dona alegremente el dinero común a la banca. Un estado empeñado en el desmontaje del estado de bienestar en beneficio de una minoría internacional y local.

El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos. Por lo tanto, no me cuenten entre ellos, pues yo soy un artista serio. No señores, No, Global Tour.

¡Salud y libertad!

Santiago Sierra

17a EDICIÓ DE L'ALTERNATIVA

MON DIEU! MONTAGE! Promo L'Alternativa 2010 from laboratorium on Vimeo.

Vídeo realitzat per en Pere i la Laura (Laboratorium) per l'Alternativa

Podeu consultar tot el programa AQUÍ!

No us perdeu la retrospectiva de Raymond Depardon i la nit homenatge a Alexander Kluge.

Del 12 al 20 de novembre al CCCB, Institut Francès, Casa Amèrica, MACBA i Filmoteca de Catalunya.

LAS COMISARIAS CONTRA EL MONOPOLIO DEL COPYRIGHT

Juana de Arco

"En lugar de un sistema disfuncional basado en una serie de muros de Berlín culturales, quiero volver al sentido común. Un sistema donde haya alcance para crear nuevas oportunidades para artistas y creadores, y nuevos modelos de negocio que encajen mejor en la era digital. El copyright no es un fin en sí mismo. Existe para garantizar que los artistas sigan creando pero ha terminado por dar un papel más prominente a los intermediarios que a los artistas.

Además es un sistema cada vez menos respetado que irrita ala gente. . Hay que asegurar ya que los derechos de autor sirven para construir, no un obstáculo, un muro. Sufrimos grandes problemas por ejemplo con la digitalización de libros – la biblioteca digital europea – o las obras huérfanas que no podemos afrontar . El sistema de derechos autor Iirrita a los ciudadanos al no poder acceder a lo que los artistas quieren ofrecerle, dejando un vacío que es cubierto por contenidos ilegales, privando a los artistas de su merecida remuneración.", Neelie Kroes sobre el copyright. Otra "comisaria" europea que merodea en los mismos territorios: Viviane Reding. Si quieres saber más sobre la cruzada de Neelie Kroes, AQUÍ.

FAIL, BABY, FAIL

Clica a Beckett para verlo mejor

"Ever failed. No matter. Try Again. Fail again. Fail better"
Samuel Beckett

Resum audiovisual del BookCamp de Kosmopolis 2010

Vídeo resum del Bookcamp

AQUÍ trobareu els vídeos que amb la Lucia vam fer ahir per Kosmopolis 2010: gravar, entrevistar, muntar, exportar, penjar, editar, publicar! All well done!

Tant el BookCamp com les conferències de Zygmunt Baumann i Lawrence Lessig en l'edició especial de Kosmopolis 2010 van ser un èxit. Gràcies a tots aquells que el van seguir online, via twitter o in situ i a tot l'equip que l'hem fet possible: Juan I., Eva R., Eva A., Maria F., Maria R., Lucia C., Imma A. i en José Antonio S., Juan Carlos R. i Ico R. a l'streaming.

Tots aquells que us vau perdre els Arxius K podeu consultar-ho de forma permanent a l'arxiu del CCCB.

Arxius K a Kosmopolis 2010

Des dels “visual clusters” del projecte Atlas Mnemosyne d’Aby Warburg fins ara han passat quasi noranta anys. Warburg va unir més de 2.000 imatges de la història i de l’art a partir del que ell anomenava la « bona companyia ». Aquesta edició especial de Kosmopolis 2010 presenta una selecció dels Arxius K: una seqüència d’algunes de les actuacions i conferències de les passades edicions de Kosmopolis, imatges que es fan entre elles, també, “bona companyia” en aquest gran territori cosmopolita que és la literatura. Un recorregut audiovisual a través d’alguns dels seus moments més emotius i clarividents. Des de Mario Vargas Llosa, Lydia Lunch i Tzvetan Todorov, passant per Donna Leon, J. M. Coetzee, Dave Eggers i Gao Xingjian , continuant amb Lou Reed, Laurie Anderson, Saul Williams, The Ex, The Nuyoricans o John Giorno. William Gibson, Bruce Sterling i Eloy Fernández-Porta. John Brockman i Eduardo Punset, Robyn Hitchcock i Enric Casasses,  Momus o Joaquín Sabina. A tots ells, als que es troben a l’arxiu esperant ser revisitats i als que pel camí ens han deixat (Ryszard Kapuscinski, J. G. Ballard, etc.), com deia John Giorno: “Thank’s for nothing”. Quedin allà, a l’arxiu del CCCB, obert al públic, teixint la nostra memòria futura.

Us convidem el pròxim 23 d’octubre a què veieu, a l’auditori del CCCB, la seqüència núm. 1 dels Arxius K que he fet per a l’ocasió. La selecció es veurà en un primer passe d’11:30 a 14:00 i per la tarda de 15:45 a 18:15h. L’entrada és gratuïta.

INTO THE BRIGHTLANDS

Fotograma de The Servant (Joseph Losey)

Brillant article sobre "Cinema i Follia" de'n Tomàs. Us el deixo aquí.

"A Vladimir, como a Prometeo, lo habían encadenado a una titánica roca, que no era la vida ni nada parecido. (...) Joseph Conrad tenía razón: “Vivimos como soñamos, solos”
T.R.

"je voyage pour connaître ma géographie". Anotació d'un boig recollida per Manuel Réja a L'art chez les fous, París, 1907 i segons en Tomàs recollida per Vila-Matas a "Suicidios Ejemplares"

EDICIÓ ESPECIAL DE KOSMOPOLIS

El proper 23 d’octubre, Kosmopolis, la Festa de la Literatura Amplificada, arrenca amb una jornada especial dedicada al futur del llibre i l’edició, com a prèvia de la gran festa que estem preparant per al març de 2011. En el BookCamp es parlarà de drets d’autor, de noves maneres de llegir i escriure, de noves eines per treballar amb la paraula, de la literatura il•lustrada infantil, les tecnologies del paper o l’ofici editorial, i també tindrem un mini festival de tweetpoesia i tweetnarrativa. Podràs veure l’ exposició Petits editors, grans llibres, i seguir una programació especial de Canal Alfa amb els millors moments dels anteriors Kosmopolis (Arxius K).
Finalment, dos conferenciants excepcionals: Zygmunt Bauman, Premi
Príncep d’Astúries de Comunicació i Humanitats 2010, i Lawrence Lessig,
creador de Creative Commons. Ignasi Labastida el representant de Creative Commons a Espanya i un dels seus principals impulsors, estarà tot el dia (de 12.00 a 14.00h i de 16.00 a 18.00h),al CCCB assessorant a tot aquell que estigui interessat en el tema.

Aquesta és la selecció que he fet dels "the very best" de Kosmopolis (especial Canal Alfa: Arxius K)i que podreu veure a l'Auditori en un doble passi: de 11.30 a 14.00h i de 15.45 a 18.15h. Adjunto la track list:

Mario VARGAS LLOSA, Les guerres del segle XXI, castellà, K04
Lydia LUNCH, recital, anglès, K08
Tzvetan TODOROV, Contra el terrorisme, anglès doblat al català, K08
Donna LEON, Ecologisme, anglès doblat al castellà, K08
The EX, Des dels marges de la contracultura, fragment musical, K06
Lou REED - Laurie ANDERSON, lectura d'El manifest groc, anglès, K08
J.M. COETZEE, lectura de Diari d'un mal any, anglès, K08
Joaquín SABINA, lectura de Ciento volando de catorce, castellà, K02
Gao XINGJIAN, fragment d'El món de Gao, v.o.s.c., K08
Saul WILLIAMS, lectura de Whereas, anglès, K06
Dave EGGERS, presentació de 826 National, anglès doblat al català, K08
NUYORICANS POETS CAFÉ TEAM, recital d'Overous Maximus, anglès, K08
Alejandro JODOROWSKY, El tesoro de la sombra, castellà, K04
Jean-Claude CARRIÈRE, La mentira necesaria, castellà, K02
William GIBSON, Codi font, anglès, K02
MAX + CALPURNIO, Sonia PULIDO, NEOSOL, Concert animat: El darrer humà viu, K08
Bruce STERLING, Quan allò imprès ha mort, anglès doblat al català, K08
Eloy FERNÁNDEZ PORTA, Los nuevos cervantinos, castellà, K05
John BROCKMAN i Eduard PUNSET, Els nous humanistes: la ciència al límit, castellà + anglès, K05
Robyn HITCHCOCK, A propòsit de la fantasia, fragment musical, K08
Enric CASSASSES, Timbals, català, K08
MOMUS (Nick Currie), Música per a bloggers, fragment musical, K06
John GIORNO, lectura de Thanks for nothing, anglès, K08

Sempre impressiona començar amb un Nobel, i més tenint en compte que quan vaig fer la selecció amb en Juan Insua encara no tenia el guardó; miraculum, mirabilis! o potser és que tot és en el fons una mica previsible.

+ INFORMACIÓ AL WEB!

BANKSY HOOD

Aquesta és la careta que l'street artista (i artivista) BANKSY va fer pels Simpson. És evident per què va causar polèmica. A la notícia de El País anoten les declaracions del productor executiu:"Esto es lo que se consigue cuando se externaliza". En breu penjaré el comentari sobre EXIT THROUGH THE GIFT SHOP, la pel·lícula-documental-mockumental que ha fet l'artista. No us la perdeu.

PARLAR D'AMOR EN TEMPS DE CÒLERA

Aquest dijous estrenem al Cinema Truffaut de Girona BRIGHT STAR de Jane Campion en V.O.S.E.

All lovely tales that we have heard or read:
An endless fountain of immortal drink.
Pouring unto us from the heaven's brink.
John Keats, A thing of Beauty


“Bright Star”, l’última pel·lícula de Jane Campion (qui va obtenir un Óscar a la millor pel·lícula per El piano), convida a parlar d’amor més que de cinema. Campion es centra en la vida del poeta romàntic anglès John Keats, cohetani de Byron i Shelley, una mica posterior a Wordsworth i Coleridge, però menys afortunat en quant a longevitat ja que va morir als 25 anys de tuberculosis. Campion narra els darrers tres anys de la vida de Keats (interpretat per Ben Wishaw) centrant-se en l’apassionada història d’amor que va viure amb Fanny Brawne (Abbie Cornish), una bonica veïna seva. I sabent això, tenint la mort com a horitzó d’expectatives, ja no cal amagar que ens trobem davant d’un biopic melodramàtic. La protagonista de tot aquest melodrama és ella, més que ell, una d’aquestes dones a les quals ens té acostumats Campion, les dones que agafen la vida per les regnes i no les deixen anar sota cap circumstància. “Sturm und Drang femení”, però en un sentit oposat al que alguns homòfils crítics de El Mundo i El País afincats en el desprestigi constant de tota pel·lícula que veuen retreuen a Bright Star: contra la “sensibleria” que aquests prediquen, més valdria parlar de “sentimentalitat”. L’anterior pel·lícula que va ser capaç de despertar-me unes emocions semblants va ser Lady Chatterley, curiosament també dirigida per una cinesta, Pascal Ferran. Però si Lady Chatterley ens convidava a viatjar a plaer per una relació d’amor, aquí ens trobem amb les filigranes narratives d’un amor que no es pot realitzar. Bright Star és extranyament sòbria i continguda, i dolorosa, perquè ens parla de l’amor impossible, i tot amor impossible resulta en i a través del dolor. Si és tan fàcil de criticar des d’aquest punt de vista és perquè som incapaços de posar-nos a la pell dels seus protagonistes i entenem marcianament “els sentiments absoluts” com una qüestió epocal, estrictament vuitcentista. En una època on a través de les xarxes socials (p. ex. Facebook) podem contactar i conèixer gent a diari, on les relacions tendeixen a la brevetat, fugacitat i multiplicitat, què ens ha de dir la delicada obsessió d’un amor que viu a través de les cartes (en una època on la correspondència fluctuava diferent) i d’encreuaments puntuals? Què ens ha de dir el sacrifici, la hipèrbole, l’al·lucinació amorosa? Què en sabem de tot això? Recordo les lectures de la correspondència de Marina Tsvetaeva i Rainer Maria Rilke on el poeta esdevé un Tot per a la poetissa. L’amor arriba a compta gotes amb cada carta que s’escriu, un amor que ha d’atravessar tots els països, totes les llengües, tota la geografia que recorre la carta, el mateix lapse de temps (massa dilatat quan es viu des de la passió amorosa, un temps que sembla fixat, suspès fins que no arriba la pròxima carta). Més esclaridors són encara aquests fragments que Pedro Salinas escriu a la seva estimada, Katherine Whitemore: “Sin carta, hoy tampoco. Extraña impresión de vacío, estar sin carta tuya. Rara. Se me figura estar en un paisaje polar, en un enorme campo de hielo, implacablemente blanco, hostilmente silencioso. Un cielo gris, con pájaros de vuelo tardo, y sobre todo una impresión de mundo en blanco, sin nada escrito en él, esperando algo que se grabe –pasión, amor, sangre- en su tersa lámina de nieve(…) Sólo el peso de tu carta en el bolsillo me servía de prenda, de prueba. Vivía yo en ese rectángulo de papel. Era el lugar más cierto del mundo. Y antes de poder abrirla, así, cerrada y en el bolsillo, tu carta era el puente con la vida”. Bright Star ens situa en el cor de la paciència i del sacrifici per amor, amb un guió finíssim trenat per la dicció dels poemes de Keats, amb un vestuari delirant com la imaginació de la protagonista, amb una fotografia il·luminada pels reflexos naturals de la campanya anglesa (res a envejar a John Constable) i els interiors com “blanquejats amb llet” (com diria Georg Trakl). Ja he avisat, però, que parlaria més d’amor que de cinema, del nostre pà de cada dia, per molt que alguns s’entossudeixin a fer vaga de fam.

Ingrid Guardiola
Col·lectiu de Crítics de Cinema de Girona

ALGUNES PEL·LÍCULES DEL 2010

Black Swan
Estados Unidos 2010
DIR Darren Aronofsky
A thriller that hones in on the relationship between a veteran ballet dancer and a rival.

True Grit
Estados Unidos 2010
DIR Ethan Coen & Joel Coen
Following the murder of her father by hired hand Tom Chaney, 14-year-old farm girl Mattie Ross sets out to capture the killer. To aid her, she hires the toughest U.S. marshal she can find, a man with “true grit,” Reuben J. “Rooster” Cogburn.

The Social Network
Estados Unidos 2010
DIR David Fincher
A story about the founders of the social-networking website, Facebook.

127 Hours
Estados Unidos 2010
DIR Danny Boyle
A mountain climber becomes trapped under a boulder while canyoneering alone near Moab, Utah and resorts to desperate measures in order to survive.

Never Let Me Go
Reino Unido 2010
DIR Mark Romanek
As children, Ruth, Kathy, and Tommy, spend their childhood at a seemingly idyllic boarding school. As they grow into young adults, they find that they have to come to terms with the strength of the love they feel for each other, while preparing themselves for the haunting reality that awaits them.

Somewhere
Estados Unidos 2010
DIR Sofia Coppola
A hard-living Hollywood actor re-examines his life after his 11-year-old daughter surprises him with a visit.

I'm Still Here
Estados Unidos 2010
DIR Casey Affleck
I’m Still Here follows Joaquin Phoenix as he announces his retirement from a successful film career in the fall of 2008 and sets off to reinvent himself as a hip hop musician. The film is a portrait of an artist at a crossroads.

Promises Written in Water
Estados Unidos 2010
DIR Vincent Gallo
Shot in black-and-white, this fiercely independent film traces the steps a young photographer takes to fulfil the dying wishes of a beautiful young woman, including getting a job in a funeral parlour so he can oversee her cremation.

Hereafter
Estados Unidos 2010
DIR Clint Eastwood
The story of three people haunted by mortality in different ways, Hereafter stars Matt Damon as a blue-collar American who has a special connection to the afterlife.

Meek's Cutoff
Estados Unidos 2010
DIR Kelly Reichardt
Based on the true story, an experienced mountaineer leads an ill-fated wagon train through a shortcut on the Oregon Trail, turning into a the tale that includes starvation, a legendary lost gold mine and a Native American scout.

The Agent
Estados Unidos 2010
DIR Vincent Gallo
Vincent Gallo’s film The Agent is a thoughtful, revealing and honest portrait of a Hollywood talent agent.

Enter the Void
Francia 2009
DIR Gaspar Noé
Oscar and his sister Linda are recent arrivals in Tokyo. He’s a small time drug dealer, and she works as a nightclub stripper. One night, Oscar is caught up in a police bust and shot. As he lies dying, his spirit, faithful to the promise he made his sister—refuses to abandon the world of the living.

Cave of Forgotten Dreams
Estados Unidos 2010
DIR Werner Herzog
Werner Herzog gains rare access to the Chauvet caves of southern France to film the oldest known images of mankind. He puts 3D technology to a profound use, taking us back in time over 30,000 years.

Essential Killing
Polonia 2010
DIR Jerzy Skolimowski
A Taliban fighter is captured, interrogated, tortured and then transported to an unnamed snowy destination in Europe. Taking advantage of an accident, he escapes and has to use all his wits to evade his pursuers whilst battling bitter winter cold, and lack of food.

Norwegian Wood
Japón 2010
DIR Tran Anh Hung
Adapting Haruki Murakami’s breakthrough novel with the romantic melancholy of the Beatles song that gave it its name, Norwegian Wood is a passionate story of nostalgia, loss and awakening sexuality.

Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas
Tailandia 2010
DIR Apichatpong Weerasethakul
Tio Boonmee padece insuficiencia renal. Apasionado practicante de yoga, es muy consciente de su cuerpo. Sabe que va a morir en 48 horas. Llama a sus parientes lejanos para que le saquen del hospital y pueda morir en su casa. Allí recibirá las visitas de los fantasmas de su familia y antepasados.

The King's Speech
Reino Unido 2010
DIR Tom Hooper
The King’s Speech tells the story of the man who would become King George VI, the father of the current Queen, Elizabeth II. After his brother abdicates, George ‘Bertie’ VI (Colin Firth) reluctantly assumes the throne.

The Borrowers
Japón 2010
DIR Hiromasa Yonebayashi
14-year-old Arrietty and the rest of the Clock family live in peaceful anonymity as they make their own home from items “borrowed” from the house’s human inhabitants. However, life changes for the Clocks when a human boy discovers Arrietty.

The Town
Estados Unidos 2010
DIR Ben Affleck
As he plans his next job, a longtime thief tries to balance his feelings for a bank manager connected to one of his earlier heists, as well as the FBI agent looking to bring him and his crew down.

13 Assassins
Japón 2010
DIR Takashi Miike
A group of assassins come together for a suicide mission to kill an evil lord.

The Illusionist
Reino Unido 2010
DIR Sylvain Chomet
In a village pub on Scotland’s west coast, an illusionist meets an innocent young girl named Alice. The encounter changes his life completely. Based on a screenplay by Jacques Tati.

The Sleeping Beauty
Francia 2010
DIR Catherine Breillat
An epic fantasia of a young girl’s coming-of-age, featuring Catherine Breillat’s signature take on gender relations and breathtaking cinematography.

Exit Through the Gift Shop
Reino Unido 2010
DIR Banksy
“A film about a man who tried to make a film about me” is how Banksy describes his first feature.

Lady Blue Shanghai
Estados Unidos 2010
DIR David Lynch
A nameless woman enters her Shanghai hotel room to find a vintage record playing and a blue Dior purse that seems to come from nowhere.

The Ward
Estados Unidos 2010
DIR John Carpenter
Acclaimed director John Carpenter makes his long awaited return to the screen with a thriller about a young woman in a 1960s mental institution who becomes terrorized by malevolant unseen forces.

Catfish
Estados Unidos 2010
DIR Henry Joost & Ariel Schulman
When a young New York City photographer is contacted on Facebook by an 8-year-old painting prodigy from rural Michigan, he becomes deeply enmeshed in her life, even falling in love with her older sister—that is, until a crack appears in her story.

Film socialisme
Francia 2010
DIR Jean-Luc Godard
A symphony in three movements. Things such as: The Mediterranean, a cruise ship. Numerous conversations, in numerous languages, between the passengers, almost all of whom are on holiday…

It's Kind of a Funny Story
Estados Unidos 2010
DIR Anna Boden & Ryan Fleck
A teenager’s week in the adult psych ward brings new meaning to ‘coming of age.’

Cold Fish
Japón 2010
DIR Sion Sono
Equal parts black humour and bloody dementia in this true crime portrait of a Japanese tropical fish dealer responsible for over forty murders.

TRON: Legacy
Estados Unidos 2010
DIR Joseph Kosinski
A virtual-world worker looks to take down the Master Control Program.

Canino
Grecia 2009
DIR Giorgos Lanthimos
Canino es la historia de una familia griega que vive enclaustrada en su casa. Los tres hijos de la familia viven convencidos de que el mundo exterior es territorio prohibido y su percepción de la realidad está completamente alterada gracias a la labor de sus maquiavélicos padres.

La cinta blanca
Alemania 2009
DIR Michael Haneke
En los albores de la primera guerra mundial, al norte de alemania en una villa protestante, es la historia de varios niños y adolescentes, a los que les suceden varios accidentes raros, que tienen un caracter punitivo. Quien estara atras de ellos?

Winter's Bone
Estados Unidos 2010
DIR Debra Granik
An unflinching Ozark Mountain girl hacks through dangerous social terrain as she hunts down her missing father while trying to keep her family intact.

You Will Meet a Tall Dark Stranger
Estados Unidos 2010
DIR Woody Allen
Written and directed by Woody Allen. A little romance, some sex, some treachery, and apart from that, a few laughs. The lives of a group of people, whose passions, ambitions and anxieties force them all into assorted troubles that run the gamut from ludicrous to dangerous.

Tabloid
Estados Unidos 2010
DIR Errol Morris
Errol Morris presents his ‘first love story since Gates of Heaven’, the story of Joyce McKinney and the case of the manacled Mormon.


Scott Pilgrim vs. the World
Estados Unidos 2010
DIR Edgar Wright
Scott Pilgrim (Michael Cera) es un jóven canadiense de 23 años bajista de la banda “Sex Bob-omb” que acaba de conocer a la mujer de sus sueños Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead), pero para ganar su corazón debe luchar y vencer a sus siete malvados exes.

Certified Copy
Francia 2010
DIR Abbas Kiarostami
This is the story of a meeting between one man (William Shimell) and one woman (Juliette Binoche), in a small Italian village in Southern Tuscany.

The Kids Are All Right
Estados Unidos 2010
DIR Lisa Cholodenko
A couple, Nic and Jules, live with their teenage children, Joni and Laser, in a cozy craftsman bungalow in Los Angeles. As Joni prepares for college, her younger brother pesters her for a big favor—help him find their biological father.

Silent Souls
Rusia 2010
DIR Aleksei Fedorchenko
When Miron’s beloved wife Tanya passes away, he asks his best friend Aist to help him say goodbye according to the rituals of the Merya culture, an ancient Finno-Ugric tribe from Lake Nero. The two men set out on a road trip thousands of miles across the boundless lands.

Carlos
Francia 2010
DIR Olivier Assayas
The story of Venezuelan revolutionary, Ilich Ramirez Sanchez, who founded a worldwide terrorist organization and raided the OPEC headquarters in 1975 before being caught by the French police.

I Am Love
Italia 2009
DIR Luca Guadagnino
Academy Award-winner Tilda Swinton stars in this drama about the devastating effects of a forbidden passion between a woman who belongs to a rich northern-Italian family and her son’s best friend, a cook.

A Letter to Elia
Estados Unidos 2010
DIR Martin Scorsese & Kent Jones
Directed by Martin Scorsese and Kent Jones, this documentary pays tribute to the late, legendary Hollywood auteur, Elia Kazan.


William S. Burroughs: A Man Within
Estados Unidos 2009
DIR Yony Leyser
William S. Burroughs: featuring never before seen footage as well as exclusive interviews with his closest friends and colleagues.

Coming Attractions
Austria 2010
DIR Peter Tscherkassky
Austrian master Peter Tscherkassky’s latest epic is a sly comedy that mines the relationship between early cinema and the avant-garde by way of advertising.

Poetry
Corea del Sur 2010
DIR Lee Chang-dong
The story of an elderly woman in search of the fundamental poetry from her life. Aside from being sentenced with Alzheimer’s disease, she faces a dilemma when her teen-aged grandson, who is under her care, is found to be one of the assailants of a girl from his school who killed herself.

The Tourist
Estados Unidos 2010
DIR Florian Henckel von Donnersmarck
The Tourist revolves around Frank, an American tourist visiting Italy to mend a broken heart. Elise is an extraordinary woman who deliberately crosses his path.

Womb
Alemania 2010
DIR Benedek Fliegauf
A grieving widow (Eva Green) looks to clone her late husband after he’s killed in an auto accident.

Attenberg
Grecia 2010
DIR Athina Rachel Tsangari
A dying architect and his emotionally stunted daughter inhabit the remains of a once booming industrial community in the middle of nowhere, now populated by the precious few who didn’t have the heart to leave it behind.

Edie: Girl on Fire
Estados Unidos 2010
DIR Melissa Painter & David Weisman
Model, film star, muse, socialite, icon. Edie Sedgwick was the very first “it” girl of the Andy Warhol Factory scene…

Jack Goes Boating
Estados Unidos 2010
DIR Philip Seymour Hoffman
A limo driver’s blind date sparks a tale of love, betrayal, friendship, and grace centered around two working-class New York City couples.

Howl
Estados Unidos 2010
DIR Rob Epstein & Jeffrey Friedman
A drama centered on the obscenity trial Allen Ginsberg faced after the publication of his poem, Howl.

Estoy Aquí
Estados Unidos 2010
DIR Spike Jonze
El amor puede ser un poco desconcertante, tal como un robot llamado Sheldon lo descubre. Se enamora de Francesca y el mundo se convierte en un lugar mucho más bello. Las reglas que el solía seguir, simplemente no sirven más.

Mysteries of Lisbon
Portugal 2010
DIR Raúl Ruiz
Based on a famous 19th Century Portuguese novel, Raul Ruiz’s Mysteries of Lisbon follows a jealous countess, a wealthy businessman and a young orphaned boy across Portugal, France, Italy and Brazil where they connect with a variety of mysterious individuals.

Beginners
Estados Unidos 2010
DIR Mike Mills
When his seventy-one-year-old father (Christopher Plummer) comes out of the closet, Oliver (Ewan McGregor) must explore the honesty of his own relationships.

Our Day Will Come
Francia 2010
DIR Romain Gavras
The feature debut by French director Romain Gravas focuses on two outcast redheads – a bullied teen (Olivier Barthélémy) and a psychologist (Vincent Cassel) – who embark on a hallucinatory journey to Ireland, in a quest for freedom.