Este año nos han dejado seres extraordinarios (Ballard, D. F. Wallace...) y ahora le ha tocado a Zulueta. Podríamos estar días enteros hablando sobre qué nos pasó la primera vez que vimos Arrebato. Yo aún guardo el VHS, precedido del corto Leo es pardo. Tenía 17 o 18 años, era la época en que descubrimos la Nouvelle Vague (y con Godard nuestra "ligne de chance"), Antonioni (que el amor no es lo que parece), los dramas de Bergman, Cassavettes, el ojo de Bataille, el fast-forward, el punk-rock español, el indie de K7, que todos los gatos por la noche son pardos, los colegas, el coleguismo, el colegueo, las lecturas de libros que nunca nos darán en clase en la misma calle donde los gatos seguían siendo pardos, cada vez más pardos, la hipersocialización con lo bizarro para no socializar con lo social, el dejar de creer que a quien madruga Dios le ayuda, la apología del subsuelo (que es mejor que el undergroud), las madrugadas en blanco y negro y a Zulueta, también descubrimos a Zulueta. ¿Cómo se podía hacer aquello? Era maravilloso: relacionar-se con el mundo a través de la cámara. A partir de entonces era un sueño recurrente: el ser arrebatado por una cámara, de 35mm o de 16mm, da igual, siempre imaginando que en la vida tendría que haber muchas buenas y variadas formas de ser arrebatado. ¡Quiero ser arrebatado! El camino se ha andado, de Venus a Plutón. Hemos sido arrebatados, aunque la necesidad de encontrar y perfeccionar "puntos de fuga" sigue. Zulueta ha llegado al final de su película, nos ha sido arrebatado y es entonces cuando la memoria se abre con toda su fuerza y todo su hedor inunda esta habitación, demasiado estrecha cuando la muerte asoma la cabeza.
"Me transformo en fuga inmensa fuera de mí mismo, como si mi vida fluyese en ríos lentos a través de la tinta del cielo. Yo no soy ya entonces yo mismo, pero lo que ha salido de mí alcanza y encierra en su abrazo una presencia sin límites, semejante ella misma a la pérdida de mí mismo.", G. Bataille, El culpable
TEXTO DE ANXO CUBA en FEEDBACK-ZINE: En estas últimas semanas se está resucitando la olvidada figura del diseñador y cineasta vasco Iván Zulueta, sobretodo con motivo de la muestra retrospectiva que se le dedica en su San Sebastián natal y del reestreno en algunos cines españoles de la que es su obra cumbre: Arrebato. Por todo ello creo que es un buen momento para poner nuestra atención sobre una obra tan vasta como versátil, siempre caracterizada por la radicalidad más extrema y por su exuberante modernidad.
Zulueta nace en el 1943 hijo de padres artistas (su madre pintora, su padre , uno de los impulsores del Festival Internacional de cine de San Sebastián). Su afición por el dibujo y la pintura se inicia en la infancia, época en la que inventaba dibujos publicitarios para las películas que anunciaba la revista americana Screen´s stories. Tambien en estos años descubre algunos de los temas que le obsesionarán a lo largo de su obra y que están presentes constantemente en sus creaciones: el mundo de los cromos, los cartoons de Walt Disney, los juguetes, las fotografías polaroid...todo un mundo de fetichismo kitch que sume al joven Zulueta en el "arrebato", ese instante mágico propio de la infancia en el que te quedas absorto con un objeto o una imagen y el tiempo parece detenerse, ese instante que algunos adultos con alma de Peter Pan intentan recuperar por medio de la heroína, un estado extático exento de responsabilidades en el que el sujeto no actúa sino que se limita a observar el mundo desde fuera.
Gran admirador de cartelistas cinematográficos de la época (por ejemplo Mac), estudia decoración en el Centro de Nuevas Profesiones de Madrid y más tarde se marcha a estudiar pintura y dibujo publicitario a la Arts Students League de Nueva York, donde entra en contacto con los movimientos de vanguardia más en boga en EEUU a finales de los sesenta. Sobretodo le influirá de lleno el pop art y el cine underground de autores como Andy Warhol, Jonas Mekas, Kennet Anger, Paul Morrisey...
A su regreso a España estudia en la Escuela Oficial de Cine y se instala en Madrid. Comienza una frenética actividad creadora como cartelista cinematográfico, trabajando entre otras para la productora El Imán de su amigo José Luis Borau. Realiza los carteles de Camada negra, Sonámbulos, El corazón del bosque, Maravillas, Demonios en el jardín, Laberinto de pasiones, Entre Tinieblas, ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, Furtivos, Viridiana, Mi querida señorita, Asignatura pendiente, Ivanhoe, La jungla de asfalto, La señora Miniver, Solo ante el peligro, Simón del desierto y un interminable etcétera, al que hay que añadir los de sus propias películas y carteles-fachada para el cine California de Madrid y para el Festival de San Sebastián.
Además de su importantísima aportación al mundo del cartel, Iván Zulueta filma compulsivamente desde finales de los sesenta, rodando cientos de cortos en Super 8 (Mi ego está en Babia, A mal gama, El mensaje es facial, Aquarium...) y algunos en 35 mm (Agata, Ida y vuelta...). En su primer trabajo de difusión amplia, titulado El último grito, filma actuaciones musicales del programa homónimo que emitía TVE, del que era guionista. Este trabajo constituye el precedente del que será su primer largometraje Un, dos, tres...al escondite inglés (1969) un musical pop influenciado por las películas de Richard Lester con los Beatles, aunque siempre marcado por la personalidad de su director, el cual se encarga de realizar todo tipo de labores (dirección, guión, decorados, vestuario), siendo el resultado de una gran sensibilidad estética y desbordante sentido del humor. Hoy en día es una película de referencia en festivales de música mod, adorada por los seguidores de la estética sixty, aunque en su día se trató simplente de una práctica de fin de carrera, que Zulueta no pudo firmar por no tener todavía el título de cineasta (un problema sindical que hoy suena absurdo pero en la época no lo era ). De hecho lleva la firma de Jose Luis Borau, que en realidad sólo realizó labores de producción. En esta época Borau será quien anime y produzca los proyectos de Iván, multitud de cortos en super 8 y alguno en 35 mm como son Frank Stein(1972) y Masaje(1972). Estos cortos tuvieron muy poca difusión, algunos por su formato (sólo se proyectaban en los festivales de super 8 que proliferaron en los setenta) y otros por ser repetidamente secuestrados por la policía franquista. A mediados de los setenta Zulueta empieza a colaborar con el entonces productor de cine independiente Augusto M. Torres. De esa colaboración sale Leo es pardo(1976), un impactante cortometraje que se llega a proyectar en el festival de Berlín y obtiene un relativo éxito en España.
A partir de ahí Zulueta buscará productor para un largo más ambicioso, barajándose entre las posibilidades a una rica bilbaína deslumbrada por el encanto del cineasta, pero que no tarda en desencantarse del proyecto. Finalmente el proyecto sale adelante respaldado por Augusto M. Torres y el apoyo incondicional de los actores Eusebio Poncela, Will More y el director de fotografía Ángel Luis Fernández (presente en casi todas las películas españolas que gozan de un impactante trabajo fotográfico).
Después de un largo e inconstante proceso de rodaje (en el cual se parte de un cortometraje que se corresponde con la parte final de la película) va tomando forma una película a medio camino entre los experimentos propios del cine underground americano y el cine de difusión más comercial. La historia se construye por medio de constantes flashbacks y en ella se entremezclan distintas estéticas de acuerdo con la evolución de la historia, así como numerosos cortos en super 8 rodados por el propio Zulueta. De todo ello resulta una amalgama absolutamente coherente centrada en las fuerzas vampíricas del cine y de la droga, fuerzas entre las que oscilan los personajes (en especial el protagonista Jose Sirgado interpretado por Eusebio Poncela) y entre las que deberán escoger al final, con el objetivo de alcanzar ese nivel de trascendencia que es pasar "al otro lado".
La película destaca sobretodo por su impecable factura estética y su magistral uso del sonido, que actúa creando símbolos sonoros de refuerzo de la trama argumental (graznido de un cuervo en las apariciones de Will More, sirena de ambulancia en los momentos de tensión, cajas de música y sonidos de juguetes en pleno arrebato...). Además Zulueta redacta unos diálogos absolutamente personales cargados de un gélido humorismo sin parangón en ningún otro autor, reforzados por las diferentes modulaciones de los actores, que sufren mutaciones también cargadas de simbolismo (la heroína les envejece la voz y en el caso de Will More actúa como reflejo directo de los cambios en el personaje). En ninguna otra obra se entremezcla de tal forma la sordidez más áspera con el candor más infantil, hasta el punto de ser a la vez una película de terror y todo un canto naif a la ingenuidad.
Otro de los grandes atractivos de Arrebato, como bien señala Pedro Almodóvar es la sensación que consigue transmitir de que la película no es una simple ficción sino que hay algo inquietantemente personal depositado en ella, de que se trata de un intento de autoexorcismo de su director, de que el propio Zulueta deja su vida en cada plano hasta acabar vampirizado por la cámara (tal y como les sucede a los dos protagonistas). Más allá de todo el discurso teórico que pueda suscitar como obra que reflexiona sobre la relación cine-realidad (ver el número 10 de la revista Vértigo), Arrebato se nos presenta como una obra eminentemente humana.
La película pasa desapercibida para el público en el momento de su estreno aunque con el tiempo, gracias a su exhibición en circuitos paralelos llegue a convertirse en la principal película de culto del cine español, a pesar de sus escasísimos pases en televisión y del hecho de no estar editada en vídeo. La crítica la alaba unánimemente y personajes tan dispares como Jose Luís Garci o Julio Médem se manifiestan "arrebatados" por la película.
Tras realizar su obra maestra, Iván Zulueta atraviesa una etapa de serios problemas con la heroína a lo largo de la década de los ochenta, lo cual lo sume en una inactividad creativa (nótese que a diferencia de los protagonistas de Arrebato, el vampiro de la droga en su caso vence al del cine). Estas circunstancias lo hacen abandonar su proyecto de largometraje Dos y dos son cuatro y regresar a su San Sebastián natal donde realiza esporádicos carteles y compulsivas fotografías polaroid. En el año 1988 se instala de nuevo en Madrid y en el 1989 realiza para TVE un capítulo para la serie Delirios de amor titulado Párpados. El mediometraje plantea el tema de la simbiosis total entre dos gemelas, representadas por ambos espectros simbólicos como son Marisa Paredes y Eusebio Poncela, que actúan como imagen del amor y la unión de las gemelas . Todo esto sucede en dos plantas de un vetusto e imponente edificio madrileño que parece contener un desague a otra dimensión a través del techo. Se trata de un trabajo de impecable estética y planteamiento trascendente, cargado de humor y optimismo, todo un canto al amor y a todas las dualidades. La cinta contiene momentos impactantes como la fusión de los rostros de Marisa Paredes y Eusebio Poncela o la enloquecida y risueña Marta Fernández-Muro interpretando a un personaje muy similar al que dio vida en Arrebato. En 1991 Zulueta realiza otro trabajo para televisión española titulado Ritesti (para la serie Crónicas del mal). En él observamos un simbolismo surrealista con tintes de género fantástico, basado en iconos oníricos clásicos como la luna, el pozo, el fuego...y en otros no tan clásicos que aporta Zulueta como los dulces con forma de cruz-corazón.
A largo de la década de los noventa su figura vuelve a cobrar cierta presencia inspirando gran cantidad de artículos y monografías como Iván Zulueta. La vanguardia frente al espejo, editado por el Festival de Cine de Alcalá de Henares. Asimismo, realiza carteles para producciones recientes como Ataque Verbal (2000) de Miguel Albaladejo o Leo (2000) de Jose Luís Borau. El programa Versión Española le dedica tres programas en los que recuperan sus trabajos para TVE, la librería ocho y medio edita el guión de Arrebato y, en definitiva, comienza a ser reconocido por una obra que, por sus propias características nunca podrá tener una gran repercusión de público. Todo esto lleva a Zulueta a plantearse la posibilidad de volver a rodar, siempre y cuando encuentre alguien que financie los costes y confíe en su obra. Esperamos que así ocurra y que el director de Arrebato nos depare unas cuantas películas más.
En el suplemento cultural de la Vanguardia de hoy, el Culturas, salen los collages de una amiga, Gloria, su blog está lincado a este en el apartado de blogs que visito. Al lado de los collages han incluido un fantástico cuento de Alphonse Allais: Collage. Lo copio aquí en su versión original.
COLLAGE
Le Dr Joris Abraham W. Snowdrop, de Pigtown (U.S.A.), était arrivé à l’âge de cinquante-cinq ans, sans que personne de ses parents ou amis eût pu l’amener à prendre femme. L’année dernière, quelques jours avant Noël, il entra dans le grand magasin du 37th Square (Objets artistiques en Banaloïd), pour y acheter ses cadeaux de Christmas. La personne qui servait le docteur était une grande jeune fille rousse, si infiniment charmante qu’il en ressentit le premier trouble de toute sa vie. À la caisse, il s’informa du nom de la jeune fille.
– Miss Bertha.
Il demanda à miss Bertha si elle voulait l’épouser. Miss Bertha répondit que, naturellement (of course), elle voulait bien. Quinze jours après cet entretien, la séduisante miss Bertha devenait la belle «mistress» Snowdrop. En dépit de ses cinquante-cinq ans, le docteur était un mari absolument présentable. De beaux cheveux d’argent encadraient sa jolie figure toujours soigneusement rasée. Il était fou de sa jeune femme, aux petits soins pour elle et d’une tendresse touchante. Pourtant, le soir des noces, il lui avait dit avec une tranquillité terrible:
– Bertha, si jamais vous me trompez, arrangez-vous de façon que je l’ignore.
Et il avait ajouté:
– Dans votre intérêt.
Le Dr Snowdrop, comme beaucoup de médecins américains, avait en pension chez lui un élève qui assistait à ses consultations et l’accompagnait dans ses visites, excellente éducation pratique qu’on devrait appliquer en France. On verrait peut-être baisser la mortalité qui afflige si cruellement la clientèle de nos jeunes docteurs. L’élève de M. Snowdrop, George Arthurson, joli garçon d’une vingtaine d’années, était le fils d’un des plus vieux amis du docteur, et ce dernier l’aimait comme son propre fils. Le jeune homme ne fut pas insensible à la beauté de miss Bertha, mais, en honnête garçon qu’il était, il refoula son sentiment au fond de son cœur et se jeta dans l’étude pour occuper ses esprits. Bertha, de son côté, avait aimé George tout de suite, mais, en épouse fidèle, elle voulut attendre que George lui fasse la cour le premier. Ce manège ne pouvait durer bien longtemps, et un beau jour George et Bertha se trouvèrent dans les bras l’un de l’autre. Honteux de sa faiblesse, George se jura de ne pas recommencer, mais Bertha s’était juré le contraire. Le jeune homme la fuyait; elle lui écrivit des lettres d’une passion débordante:
«…Être toujours avec toi; ne jamais nous quitter, de nos deux êtres ne faire qu’un être!…»
La lettre où flamboyait ce passage tomba dans les mains du docteur qui se contenta de murmurer:
– C’est très faisable.
Le soir même, on dîna à White Oak Park, une propriété que le docteur possédait aux environs de Pigtown.
Pendant le repas, une étrange torpeur, invincible, s’empara des deux amants. Aidé de Joe, un nègre athlétique, qu’il avait à son service depuis la guerre de Sécession, Snowdrop déshabilla les coupables, les coucha sur le même lit et compléta leur anesthésie grâce à un certain carbure d’hydrogène de son invention. Il prépara ses instruments de chirurgie aussi tranquillement que s’il se fût agi de couper un cor à un Chinois. Puis avec une dextérité vraiment remarquable, il enleva, en les désarticulant, le bras droit et la jambe droite de sa femme. À George, par la même opération, il enleva le bras gauche et la jambe gauche. Sur toute la longueur du flanc droit de Bertha, sur toute la longueur du flanc gauche de George, il préleva une bande de peau large d’environ trois pouces. Alors, rapprochant les deux corps de façon que les deux plaies vives coïncidassent, il les maintint collés l’un à l’autre, très fort, au moyen d’une longue bande de toile qui faisait cent fois le tour des jeunes gens. Pendant toute l’opération, Bertha ni George n’avaient fait un mouvement. Après s’être assuré qu’ils étaient dans de bonnes conditions, le docteur leur introduisit dans l’estomac, grâce à la sonde œsophagienne, du bon bouillon et du bordeaux vieux. Sous l’action du narcotique habilement administré, ils restèrent ainsi quinze jours sans reprendre connaissance. Le seizième jour, le docteur constata que tout allait bien. Les plaies des épaules et des cuisses étaient cicatrisées. Quant aux deux flancs, ils n’en formaient plus qu’un. Alors Snowdrop eut un éclair de triomphe dans les yeux et suspendit les narcotiques. Réveillés en même temps, Georges et Bertha se crurent le jouet de quelque hideux cauchemar. Mais ce fut bien autrement terrible quand ils virent que ce n’était pas un rêve. Le docteur ne pouvait s’empêcher de sourire à ce spectacle. Quant à Joe, il se tenait les côtes. Bertha surtout poussait des hurlements d’hyène folle.
– De quoi vous plaignez-vous, ma chère amie? interrompit doucement Snowdrop. Je n’ai fait qu’accomplir votre vœu le plus cher: Être toujours avec toi; ne jamais nous quitter; de nos deux êtres ne faire qu’un être…
Christmas Time- (en el video) donde el doble filo de las navidades pasa por las caras esculpidas en la gravedad y por el labio hinchado del gran Elvis y su risa espontánea y, aunque suave, completamente ida.
EL VIGILANTE DE LA NIEVE (A. Gamoneda, de "El libro del Frío")
1.
El vigilante fue herido por su madre;
Describió con sus manos la forma de la tristeza y acarició cabellos que ya no amaba.
Todas las causas se aniquilaban en sus ojos.
2.
En la ebriedad le rodeaban mujeres, sombra, policía, viento.
Ponía venas en las urces cárdenas, vértigo en la pureza; la flor furiosa de la escarcha era azul en su oído.
Rosas, serpientes y cucharas eran bellas mientras permanecían en sus manos.
3.
Era incesante en la pasión vacía. Los perros olfateaban su pureza y sus manos heridas por los ácidos. En el amanecer, oculto entre las sebes blancas, agonizaba ante las carreteras, veía entrar las sombras en la nieve, hervir la niebla en la ciudad profunda.
4.
Vigilaba la serenidad adherida a las sombras, los círculos donde se depositan flores abrasadas, la inclinación de los sarmientos. Algunas tardes, su mano incomprensible nos conducía al lugar sin nombre, a la melancolía de las herramientas abandonadas.
Cada mañana ponía en los arroyos acero y lágrimas y adiestraba a los pájaros en la canción de la ira: el arroyo claro para la hija dulcemente imbécil; el agua azul para la mujer sin esperanza, la que olía a vértigo y a luz, sola en el albañal entre banderas blancas, fría bajo la sarga y los párpados ya amarillos de amor.
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ELS SOCIALISTES -PRISA- I BERLUSCONI -T5- ES FUSIONEN: Telecinco y Cuatro protagonizan la primera fusión de dos grandes cadenas Por Agencia EFE – hace 3 días Madrid, 18 dic (EFE).- Telecinco y Cuatro han protagonizado la primera fusión de dos grandes cadenas de televisión en España, una operación de un importante calado empresarial pero que apenas repercutirá de forma inmediata en los telespectadores porque ambas mantendrán sus marcas en la parrilla. La fusión entre Telecinco y Cuatro supone la primera evidencia de la Ley de Medidas Urgentes en Materia de Telecomunicaciones, que inició su andadura hace poco más de cuatro meses. Telecinco comunicó hoy a la Comisión Nacional del Mercado de Valores (CNMV) su acuerdo con PRISA para la integración de la cadena de televisión Cuatro en Telecinco y la adquisición por ésta del 22 por ciento de Digital +. Gestevisión Telecinco adquirirá mediante canje de acciones el capital social íntegro de una sociedad de nueva creación que incluirá la rama de actividad de Cuatro, el negocio de televisión en abierto de Sogecable, y asimismo adquirirá una participación del 22 por ciento en Digital Plus. PRISA, según el acuerdo culminado hoy, recibirá acciones de nueva emisión de Telecinco que, tras una ampliación de capital de entorno a 500 millones de euros, equivaldrán aproximadamente al 18,3 por ciento del capital social de Telecinco. El objetivo de la ampliación de capital es el de financiar la operación y reforzar el balance de Telecinco, según ha explicado en su notificación a la CNMV la empresa Mediaset, propietaria de Telecinco. PRISA también recibirá 500 millones de euros en efectivo, tras el acuerdo de hoy y contará en el Consejo de Administración de Telecinco con una representación proporcional a su participación y, a la vez, la participación de Telecinco en el Consejo de Digital + será también proporcional a su participación en esta compañía. Por último, la notificación recuerda que el acuerdo está sujeto al cumplimiento de determinadas condiciones, que incluyen una revisión legal, financiera y fiscal; la negociación y formalización de la documentación definitiva; la obtención de las pertinentes autorizaciones regulatorias y de la competencia y la aprobación por los órganos de gobierno de cada compañía de las operaciones acordadas. La Ley de Medidas Urgentes en Materia de Telecomunicaciones entró en vigor el pasado 3 de julio, era una modificación de la ley de octubre de 2005 de Medidas Urgentes para el Impulso de la Televisión Digital Terrestre (TDT), de Liberalización de la Televisión por Cable y del Fomento del Pluralismo. La ley que ha permitido la fusión anunciada hoy, y la que con toda probabilidad se producirá entre Antena 3 y La Sexta, arbitra límites en relación a la simultaneidad de participaciones en el capital social de distintos operadores. Así, la ley establece la barrera del 27 por ciento de audiencia media de los operadores en los que el titular de las participaciones simultáneas cuenta con más de cinco por ciento del capital a la vez que limita la acumulación de derecho de uso sobre el espacio radioeléctrico. La unión hoy de ambas cadenas llega en un momento en el que el Grupo PRISA acumula una deuda, hasta finales de septiembre, superior a los 5.000 millones de euros, aunque algo más desahogada después de que el pasado 25 de noviembre Telefónica firmara un acuerdo con PRISA para adquirir el 21 por ciento de la plataforma de televisión de pago Digital+ por 470 millones de euros. Previsiblemente, el espectador no percibirá alteración alguna cuando se siente ante el televisor ya que la fusión prevé que ambas cadenas conserven sus marcas. Este es el segundo intento de fusión de Cuatro, después de que en pleno mes de agosto, los grupos Imagina (Mediapro-Globomedia) y Prisa anunciaran la ruptura de las negociaciones que ambos mantenían para una posible fusión. En una nota remitida entonces a la CNMV, PRISA ya advertía de que seguiría "explorando nuevas oportunidades de negocio con otros operadores de televisión", algo que ha llegado hoy a buen puerto. Por su parte, La Sexta ha cambiado de compañero y se encuentra en conversaciones con Antena 3, según informan a EFE fuentes de la cadena de Planeta.
PLANETA E IMAGINA ULTIMA SU FUSIÓN DE ANTENA 3 Y LA SEXTA
• Las dos empresas crearán un hólding para gestionar en común las cadenas • Ambas televisiones mantendrán su línea editorial, su imagen y su programación
EL PERIÓDICO MADRID Los propietarios de Antena 3 y La Sexta han alcanzado un principio de acuerdo para integrar ambas cadenas en un hólding que explotará conjuntamente las dos televisiones. Así, Planeta y su socio italiano Agostini (Antena 3) se repartirán con Imagina y Televisa (La Sexta) las participaciones de la nueva empresa en un porcentaje aún por determinar (aunque los accionistas de A-3 podrían controlar cerca de un 80%). Eso sí, las dos cadenas conservarán sus marcas, línea editorial y sus programaciones, por lo que no será una fusión literal de canales, sino de los operadores que las controlan. A falta solo de cerrar los flecos, el principio de acuerdo entre A-3 y La Sexta pone fin a tres semanas de intensas negociaciones, culminadas con lo que será la primera gran operación de fusión en el mapa audiovisual español. La unión de las dos cadenas dará origen a un fuerte grupo, con ocho canales en la nueva TDT (que estará totalmente implantada en abril del 2010). La alianza les permitirá acaparar una cuota de audiencia de cerca del 22,6% (en el acumulado del 2009), porcentaje que se obtiene con la suma del 16% que tiene Antena 3 TV (con Nova y Neox) y el 6,6% de La Sexta. El decreto liberalizador aprobado por el Gobierno el pasado febrero permite las participaciones cruzadas entre cadenas, siempre que la suma de estas teles no rebase el 27% de cuota. Aunque las diferencias entre el músculo financiero de una y otra son evidentes (la cadena de Planeta obtuvo en los nueve primeros meses de este año un beneficio de 18 millones de euros, mientras que la de Imagina y Televisa cerró ese periodo con pérdidas de 93 millones), La Sexta cuenta en su inventario con series y programas de éxito que pueden complementar la oferta de Antena 3. Si el pacto no se tuerce, los espectadores seguirán viendo las dos cadenas como hasta ahora, con sus propias señas de identidad, filosofía y logotipos. Los cambios serán en algo tan invisible y vital como es la gestión: se trabajará de manera conjunta el apartado económico-financiero, la publicidad, el área comercial y habrá sinergias en aspectos como los derchos televisivos.
INTENTO FRUSTRADO / Imagina ya estuvo a punto, el pasado verano, de llegar a un acuerdo similar con Prisa para integrar La Sexta y Cuatro. Las dos últimas cadenas en llegar y también las más pobres en audiencia rompieron en el último momento las conversaciones al chocar con la ecuación de canje de las acciones. Este escollo parece haberse salvado ahora con un acuerdo que concede a los propietarios de A-3 cerca del 80% del capital del nuevo hólding, aunque los dos buscarán una fórmula para compartir su gestión. Otra de las ventajas que tiene la operación para la cadena de Planeta es la posibilidad de disfrutar de los derechos del fútbol televisado que ofrece La Sexta, y que también explota en el único canal de pago de la TDT, Gol TV (que forma parte de La Sexta). Algunas fuentes cercanas a las negociaciones han apuntado la posibilidad de que los dos nuevos socios se planteen en breve la creación de una plataforma de pago en la nueva TDT, que tendría a Gol TV como principal reclamo. Esa hipótesis chocaría con la necesidad de disponer de un número elevado de canales para poner en marcha la plataforma, ya que los ocho con que contaría el nuevo hólding no serían suficientes, y obligaría a comprar o alquilar alguno más de otras operadoras.
ADELANTO / El consejero delegado de La Sexta, José Miguel Contreras, ya avanzó el pasado martes que esperaba alcanzar un acuerdo «antes de tres meses» con otro operador para incorporar nuevos canales a la TDT de pago. Por su parte, Planeta remitió ayer a la Comisión Nacional del Mercado de Valores (CNMV) una nota en la que admite «conversaciones con otros operadores, incluida La Sexta», pero niega que haya alcanzado ningún preacuerdo con ellos.
"Pero precisamente la lenta acumulación de siglos amontonándose automáticamente era lo que, sin que nadie se diese cuenta, iba volviendo muy pesada la construcción en el aire, esa construcción iba saturándose de sí misma: se iba volviendo cada vez más compacta, en vez de volverse cada vez más frágil. El cúmulo de vivir en una superestructura se volvía cada vez más pesado para sostenerse en el aire. Como un edificio donde, de noche, todos duermen tranquilos, sin saber que los cimientos fallan y que, en un instante no anunciado por la tranquilidad, las bigas van a ceder porque la fuerza de cohesión está lentamente disociándose un milímetro por siglo (…) Quiero encontrar la redención en el hoy, en el ahora, en la realidad que está siendo y no en la promesa, quiero encontrar la alegría en ESE INSTANTE (…) Quiero la materia de las cosas. La humanidad está impregnada de humanización, como si fuese necesario; y esa falsa humanización estorba al hombre y a su humanidad. Existe algo que es más ancho, más sordo, más profundo, emnos bueno, menos ruin, menos bello (...) De algo estoy segura: si llego al final de este relato, iré, no mañana, sino hoy mismo, a comer y a bailar al Top-Bambino, necesito condenadamente divertirme y distraerme (…) Es que no lo he contado todo. (…) La vida me es, y no comprendo lo que digo. Y entonces adoro… ” Clarice Lispector, La pasión según GH
Cuando éramos pequeños nos quedábamos embelesados mirando el calidoscopio indomable de los musicales, nos colgábamos de sus frases (“when we’re out together dancing cheek to cheek”, “I’m singin’in the rain, na-naaa-niranona…”), nos escapábamos a Brigadoon sin ansias de volver, conocíamos New York, las luchas de príncipes y princesas coronados, tronados y destronados en un rapto del serrallo sin fin. Éramos pequeños y no nos importaba que alguna de las películas, tal como pasa con los cuentos, cerraran con la moraleja de turno: la película siempre empezaba y terminaba en su melodía, en sus gestos, en sus formas mutantes. Los personajes apenas se podían besar, puesto que estaban todo el día cantando, pero cuando se paraba la música, aquello era un de profundis completamente esperado, incluso para un niño. Llegaron los grandes compositores musicales y la música salió de la trama para florecer en la psyché del espectador con las inundaciones de John Williams, Ennio Morricone, Bernard Herrmann, Jerry Goldsmith o el tierno de Nino Rota. Cuánto bien que le ha hecho la música a la imagen, “música para los ojos” que decía Debray, a pesar de que el cine nació mudo (al fin y al cabo como los hombres que nacemos ruidistas, crecemos cantarines y morimos en el silencio más calmo). Últimamente los documentales sobre músicos abundan (Joy Division, Dream of horses, I’m your man y un largo etcétera que el In-edit Beefiter puede rendir justas cuentas), quizás porque, por un lado la muerte va alcanzando nuestros mitos a paso de gigante y, en segundo lugar, porque hay un alud de nuevas bandas que han llegado fácilmente a la población media a través de circuitos como Internet con los portales de redes sociales como Myspace. Pero yo quería hablar, en realidad, de algunos momentos memorables de esta historia de amor entre la imagen y la música. El último ha sido The limits of Control, última película de Jim Jarmusch, que hila su banda sonora con Boris, un buen grupo de postrock (por llamar de alguna forma la música de guitarras eléctricas que crean paisajes sonoros a partir de la diferencia y la repetición). Jarmusch ha sido el gran potenciador de la música en sus películas, de los cohetáneos, de los amigos; Tarantino (por citar otro grande), en cambio, hace juegos de magia con sus bandas sonoras, aunque de artistas, muchos de ellos, ya retirados, como la gran Dusty Springfield, entre muchos otros. Jarmusch pone en Juego a Neil Young en Year of the horse, pone en juego también a dos grandes músicos, Tom Waits y John Laurie, y le da la batuta al mismo Neil Young para componer la banda sonora de Dead Man: aquellas cinco notas que prolongan el tema principal tienen tanta fuerza como las cinco notas que servían para el tema principal de Mozart en la primera sinfonía que compuso cuando tenía 7 años, notas que se volvían repetir en su última sinfonía, la Júpiter, muchos años después. ¡Ah! Milagros de la vida, tan concreta ella, a veces, que se escapa por el desguaze y termina en el universo. También Louis Malle le dio el tema principal de L’ascenseur pour l’échafaud a la pantera negra que podía emitir “miles de tonos” (según lo tituló en un disco), Miles Davis. Otro bestia que tiene su relación con el cine es Nick Cave, Wenders lo escenificó en El cielo sobre Berlín. Luego él, junto a Warren Ellis y algunos otros miembros de los Bad Seed ha compuesto bandas sonoras tan increibles como The Proposition, The Assassination of Jesse James o The Road. Wim Wenders, por otra parte, ha demostrado tener un gran talento musical con bandas sonoras como la que Ry Cooder compone para él en París-Texas (de un minimalismo cristalino que multiplica la imagen) y produciendo documentales como Buena Vista Social Club o Soul of a men. En su malísima última película, Palermoo Shooting, como mínimo uno puede gozar de las canciones de la Velvet Underground (cuando aparece el fantasma de Lou Reed –Wim, que aún no está muerto hombre-), de Calexico, Beirut o Bonnie Prince Billy. Ahora sí que me voy acercando a lo que quería hablar. Otros grupos han quedado escenificados (Bauhaus cantando Bela Lugosi is dead en El Ansia), otros cantantes han pasado a la pantalla (David Bowie o Kim Gordon). Wong Kar Wai construye en My Blueberry Nights (muy floja para los que nos congregamos al evangelio de In the Mood for Love) una excelente banda sonora con mujeronas de la talla de Cat Power o Cassandra Wilson, la misma jugada hace Sofia Coppola en Lost In Translation con temas de My Bloody Valantine o el It’s like honey de Jesus & Mary Chain. Y también hay películas de las que sólo quedan un par de canciones como My Girl o Dirty Dancing (sí, también crecimos viendo Dirty Dancing y escuchando los vinilos de Serrat). En estas dos películas de Sofia Coppola y de Wong Kar Wai los personajes se besan igual de poco que en los musicales que veía de pequeña (hay algo de puritano en la última película de Wong Kar Wai, o quizás es simplemente Norah Jones), pero aquellos parecían más felices, no se quedaban mirando detrás de las cristaleras llorando por dentro y por fuera, temblando de frío, de miedo o de soledad, sino que viajaban a través del espejo, como Alicia, cantando: It's like honey…
Cuelgo parte del programa MAPA SONORO 1, entre otras cosas, porque la entrevista la hacen en el Patio Maravillas y yo estuve 15 días y me pareció un lugar muy bonito, muy activo y, a punto de cerrar. En realidad quería destacar el MAPA SONORO 3: "A través de la mirada subjetiva de un personaje recorremos España al encuentro de artistas de la escena musical de nuestro país. Este personaje nos irá narrando a través de su voz sus pensamientos y reflexiones. Esta semana conoceremos al Sr. Chinarro, Bill Bragg, Nueva Vulcano, Albert Pla y Juan de Pablos." (¡Gran Juan de Pablos!)
Dia: dissabte 12 de desembre del 2009 Lloc: Cinema Truffaut (Portal Nou, 7) i Els Jardins de la Mercè (Pujada de la Mercè, 10) Hora: 20.00h-22.30h/ 24.00-3.00h Organitza: Cinema Truffaut-Col·lectiu de Crítics de Cinema de Girona, Ajuntament de Girona Patrocina: Els Jardins de la Mercè, La Cocollona, El Cercle Entrada: 3€ (per la pel·lícula), GRATUÏT per la sessió de DJ’s Recomanem sopar als Jardins de la Mercè, on tindrà lloc la 2ª part de l’acte
Fa cinquanta anys de la creació del segell discogràfic nordamericà especialitzat en música negra Motown Records, el segell que va donar a conèixer grups com els Jackson Five o The Suppremes i artistes com Stevie Wonder o Marvin Gaye, entre molts d’altres. El Cinema Truffaut, des del Col·lectiu de Crítics de Cinema de Girona, vol celebrar-ho amb una completa sessió on podrem veure la pel·lícula Talk to me (2007), sobre l’exconvicte i locutor de ràdio “Petey” Greene Jr, ens endinsarem en el tema en una xerrada amb Juan Pérez Aznar, i gaudirem de la música de l’època amb els DJ’s Dulce Jones i el Doctor Joan.
TALK TO ME, 2007, 118’, USA, Kasi Lemmons
A mitjans dels anys seixanta, a Washington D. C., la vibrant música soul i una situació social explosiva, es van combinar creant un efecte únic i poderós. Va ser el lloc i el moment de “Petey” Greene Jr., reformat exconvicte reconvertit en un inigualable locutor de ràdio que, amb l’ajuda de la seva irresistible nòvia Vernell Watson, commocionarà a tota una nació. Gràcies a Dewey Hughes, director de programes de la WOL-AM, Petey podrà superar els seus problemes inicials a la cadena i convertir-se ràpidament en una icona de la ràdio, superant en popularitat als seus companys disc-jockeys Nighthawk i Zuñí Jim. Però els àcids comentaris socials de Petey aviat posaràn en conflictes legals al propietari de la emissora, E. G. Sonderling, ja que a través de les locucions de Petey, del seu humor i vitalitat, els oients podien percebre la força d’un home que els parlava sobre els conflictes racials com pocs ho van arribar a fer. Aquesta és la trama de Talk to me, pel·lícula dirigida per Kasi Lemmons y protagonitzada eor Don Cheadle, Chiwetel Ejiofor, Taraji P. Henson, Cedric The Entertainer, Martin Sheen i Mike Epps.
DOCTOR JOAN
Sota el pseudònim de Doctor Joan, també conegut com a DJ Blues Connection, s’amaga en Juan Pérez Aznar, melòman empedreït especialitzat en música negra (blues, classic r&b, soul, funk, jazz...) que punxa puntualment a clubs o festes privades i anualment al Festival Internacional Blues a Roses (2004-2008)´al Barbecue & Blues del Festival de Blues de Cerdanyola (2005-2008) o al Black Music Festival (2008-2009). A banda de la seva activitat com a disc-jockey o baterista de blues/r&b i soul, Juan Pérez Aznar ha traduït La Gran Enciclopedia del Blues publicada per Robin Book/Ma Non Troppo; ha participat i dirigit cicles de conferències i audicions comentades; ha estat director i locutor del programa de radio Blues Connection durant més de cinc anys; col·laborador de diferents festivals internacionals; coordinador de la revista de la Societat del Blues de Barcelona; col·laborador de diverses publicacions musicals.
DULCE JONES
Desprès d’un llarg període a la ràdio, aquest amant i col·leccionista de R&B, Soul i Early Funk, des de fa més de 15 anys, comença a punxar esporàdicament al "Barbara Ann" de Barcelona i des aleshores manté una activitat creixent punxant a llocs diversos, alguns de gran reconeixement, com ara el “Boiler” de Barcelona, “SMART” i “Cool Club” de Madrid, el "1st Mod Weekend" de Brussel·les (Bèlgica), el "UpBeat! Club" de South On Sea (UK), “Beat Goes On”, Milan, Sevilla, Perpignan... Actualment co-dirigeix el "Same Old Beat club", l’únic esdeveniment d’aquestes característiques a terres gironines, que te lloc a la discoteca Blau de Girona amb caràcter aproximadament mensual.
CHICAGO 10, una de les peces que es projectarà al MINIPUT
Aviat tindrà lloc la 15a edició del MINIPUT (Mostra de TV de Qualitat), la televisió més innovadora que se celebrarà el dissabte 5 de desembre al Centre de Cultura Contemporània de Barcelona de 9.00 a 22.30h. L’entrada és gratuïta, però recordeu que per assistir al MINIPUT 2009 és recomanable que empleneu la butlleta que trobareu adjunta a l’entrada de la pàgina web www.upf.edu/miniput i que la feu arribar a l’adreça següent: Secretaria de Comunicació Audiovisual. Secretaria de Comunicació Audiovisual, Universitat Pompeu Fabra, C/ Roc Boronat 138, 08018, Barcelona. També podeu fer-la arribar a través del correu electrònic miniput@upf.edu. També trobareu informació extra a miniput.blogspot.com.
Tots els programes es projectaran en Vídeo (Betacam SP)
Projeccions:
9.00 Presentació a càrrec de Paco Escribano 9.15 How mad are you (Anglaterra, 59’, 2008,TV specific) Presenta: Paco Escribano 11.00 Pausa-Cafè (servei gratuït cafeteria) 11.30 Chicago 10 (Estats Units, 120’, 2008, documental, docu-drama animat) Presenta: Jordi Balló Convidat: Brett Morgan (director) –videoconferència- 14.00 Nothing to lose (Holanda, 90’, 2008, ficció-drama) Presenta Paco Escribano Sessions (tarda) 15.30 Zero Complaints (Corea, 50’, 2008, TV específic-magazín) Presenta: Fúlvia Nicolàs 16.00 Can’t get out of my head (Noruega, 29’, 2008, documental, infotainment) Presenten Fúlvia Nicolàs i Joan Pavia Convidat: Ingar Kristiansen (productor) 17.00 Unseen (Rússia, 28’, 2008, documental) Presenta Víctor Carrrera 17.45 Gaza/Sderot- Life in Spite of Everything (França, 2008, docu-web) Presenta: Miquel Garcia 18.20 Frankie (Irlanda, 12’, 2007, Ficció-drama) Presenta Tània Balló Amb la presència de representants de la ficció televisiva actual 18.50 Crystal world (Rússia, 26’, 2008, documental) Presenta: Josetxo Cerdan 19.20 The verdict (Finlàndia, 28’, 2008, TV-específic) Presenta: Ingrid Guardiola 20.00 My blood is red like yours (Israel, 52’, 2008, docu-drama i documental) Presenta: Víctor Carrera Convidat: Chaim Yavin 21.15 Liverpool Nativity (Anglaterra, 60’, 2007, TV-específic) Presenta i despedeix Paco Escribano 22.15 Copa final
El MINIPUT està organitzat conjuntament per la Universitat Pompeu Fabra, el Departament de Comunicació Audiovisual i Publicitat de la Universitat Autònoma de Barcelona, la Unitat de Comunicació de la Universitat Rovira i Virgili, la Universitat Oberta de Catalunya, Televisió de Catalunya, Televisió Espanyola a Catalunya, l’ESCAC, la Universitat Ramon Llull, la Universitat de Lleida i la Xarxa de Televisions de Catalunya. Enguany comptem amb la col·laboració de l’ambaixada d’Israel i el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona.
Reenvieu-ho a aquells que creieu que poden estar interessats en assistir-hi! Moltes gràcies per la vostra atenció i col·laboració.
Aquest divendres inaugurem part d'exposició. RADIOMENSIÓ torna a veure's a través d'Idensitat. Aquest cop l'escenari serà La Capella de Barcelona. Us adjunto informació del projecte on s'emmarca l'exposició. A continuació.
Abans, però, recordar que RADIOMENSIÓ (radiomensio.wordpress.com) és un projecte en letàrgia que formava part d'un concurs IDENSITAT-EL PRAT del qual va quedar finalista i va formar part d'una exposició a El Prat. D'aquests tres n'havia de guanyar un però al final han declarat el concurs "DESERT"...
aquí va la info d'això de La Capella:
ID BARRI Creativitat social, acció col·lectiva i pràctiques artístiques
iD Barri és un projecte vinculat a iD#5 que explora la idea de barri des de la perspectiva urbana i a través de la relació entre art, creativitat social i transformació de l’entorn. Consisteix en tres parts interrelacionades: seminari, taller i exposició (“Dispositu itinerant”). Es desenvoluparà a Calaf i Barcelona, la qual cosa permetrà treballar el tema del barri des del context de ciutats petites i mitjanes en àrees rurals i en relació amb la metròpolis. iD Barri parteix de la idea que l'art pot ser un factor d’innovació en els processos de transformació de la ciutat, ja que és capaç de fer emergir la creativitat social latent i desplegarla a través d’accions col·lectives. Aquesta afirmació pot ser fàcilment plantejada com a pregunta, alhora que introdueix qüestions que s’hauran de respondre, contrastar o amplificar en el context del seminari i els tallers vinculats. Com es relaciona l’art amb els processos de transformació urbana i social? Quin paper i quina funció tenen els processos de participació? Com es pot activar la creativitat social en un entorn determinat? Com es poden desplegar processos creatius que a mitjà i llarg termini incideixin en un entorn local? Com pot la gent formar part d’àmbits d’acció col·lectiva a través de processos creatius? La transformació de la ciutat, està oberta a projectes? Quina relació hi ha entre polítiques culturals i planificació territorial? Quines són les conseqüències que han d’assumir els contextos locals per formar part del discurs cultural global?
El programa del SEMINARI està molt bé, podeu accedir a ell clicant AQUÍ.
"He envejecido dentro de tus ojos; eras la dulzura y el exterminio." Antonio Gamoneda
"Y delante del trono había como un mar de vidrio semejante al cristal; y junto al trono, y alrededor del trono, cuatro seres vivientes llenos de ojos delante y detrás." Apocalipsis "I dreamed I dwelled in a homeless place Where I was lost alone Folk looked right through me into space And passed with eyes of stone", Allen Ginsberg
"si una tarda un surt cansat de fer feina i plou, i plou la tristesa i plou tant que els cecs s'arrufen sota els portals dins la seva ceguesa, com pot un aguantar els ulls de les nines boges, els ulls de les nines lletges! La letargia, la tarda, la pluja, la pena, l'esfondrament general, el neguen tant a un, que un s'aferra, a on sigui, a una cançoneta grisa i d'amor, brufada d'esperit." Miquel Bauçà
"els ulls, les mans, com en ruïna, parlen d’imperis destruïts per sempre més." Joan Vinyoli
"tapant-me els ulls, tapant-me el crit amb les ales, i m’estarrufo collinflat i danso, tot i saber que em guaiten els ulls del caçador." Joan Vinyoli
"Una equilibrista enana se echa al hombro una bolsa de huesos y avanza por el alambre con los ojos cerrados." A. Pizarnik
ENCUENTROS DE PAMPLONA Exposición en el MNCARS, otoño-invierno 2009
• Financia: Grupo Huarte • Organiza: Artistas (Luis de Pablo –director de Alea-) • Revista “Nueva Forma” • Oteiza, “Tú eres Pedro”, “Pieza de luz para aplicar en la pared” • Chillida, “Espacios sonoros” • Pablo Palazuelo, Iris III • Nestor Basterretxea, “Operación H” • Juan Daniel Fullaondo, Maqueta del techo del despacho de un promotor immobiliario. • Chillida, “Hierro de temblor” • Jorge Oteiza, “Formas lentas” • Manuel Millares, “De este paraíso” • Grupo Alea: priemr laboratorio de música electrónic en este país + difusión con conciertos • Robert Llimós, “Quatre pals” • Lugam, “Sonido por luz” (obra interactiva) • Pío Guerendiain, “Acción pú´bilca de Carlos Ginzburg. Denotación de una ciudad” • Revista “Chroniques de l’Art Vivant n. 32” • José Antonio Sistiaga, documental “Encuentros 72 Pamplona” • Muestra de Arte Vasco actual. • Nacho Criado, Sobresaturación. Cúpulas neumáticas + Paz Muro + Puente + homenaje a Rothko + rampas + espacio desierto (arenas, ventiladores) • José Luiz Alexanco, Estructuras tubulares de isidoro Valcárcel Medina en el Paseo de Sarasate. Valcárcel, “A continuación”, sonido para 12 días • Franck Ancel, Música de Luc Ferrari i Elisabet Chojnacka “Vladimir Maiakovski Remx” • “Espector de Espectadores del Equipo Crónica” • Pío Guerendiain • John Cage, Lejaren Hiller, HPSCHD • Juan Navarro Baldeweg, “Espejo sonoro”, “Interior II” (piezas de luz, equilibrio, magnetismo y tiempo) • Iván Cardoso, “H.Q.”, película • Juan Hidalgo, “Lanas” • Antoni Abad, Jordi Benito, Robert Llimós, Antoni Muntadas. Intervenciones Documenta 5 • Antoni Muntadas, “Actions”, “Polución audiovisual” (en las cúpulas neumáticas) • Guy Debord, “Negación y consumo en la cultura” • Horacio Quiroga, “Surfist smoke” • John Ashbery, “Europa” • Stefan Bretch “The art of Robert Wilson” (text) • Gerard Malanga, “Nine poems for Cesar Vallejo” (text) • Leandro Katz, “Column IV: Punto / Altamira”, “Columna del Mundo XII”. Sección “Cúpulas Neumáticas de J. M. Prada Poole que también hizo “Instant City”, “Estructuras alveolares”, “Heliotrón”, “Jonás”. • Denis Oppenheim, Video • Jordi Benito • J. M. Mestres Quadreny, “partitura para aronada” • “poema públic” de Gómez de Liaño • Kathakali Theatre de Kerala • Gonzalo Suárez, “Maqueta de antesala al infierno” • Música: Eduardo Polenio, Horacio Vaggione, “Alea. Música Electrónica Libre” • Francesc Torres, “Trazando una diagonal”, “Proyecto Prisma”, “Cubo perforado por un triángulo prototipo para una edición limitada”. • Julio Plaza, “Espacio Ambiguo • Cavier Franquesa, “Reconstrucción en 3D de Posibilidad de angulación visual” • Jordi Pablo (objetos poéticos y surreales) • TVE (La 2). Programa “Galería”, edición monográfica de los Encuentros de Pamplona • Poesía visual y fotnética: Lily Greenham, Jiri Kolar, Hans Clavin, Michelle Perfetti, Gianni Bertini, Mayer Hansjörg, Hammen Deman. • Libros: “An anthology of concrete poetry”, Emmett Williams; “Concret poetry”, Mary Ellen Solt; “Postscriptum”, Jean-François Bory, Ignacio Gómez de Liaño. • Videos: Javier Aguirre, Mauricio Kagel (“Ludwig Van”), Antoni Padrós (“Pim Pam Pum Revolución”), Martial Raysse (“Le grand départ”), Rafael Ruiz, Homenaje a Tarzán”), Gonzalo Suárez (“Ditirambo”, “El extraño caso del Dr. Fausto”) • Inclusión de la exposición “Formas Computables”. 1966: creación del Centro de Cálculo. 1971: exposición “Generación automática de formas plásticas y sonoras”. • John Cage: “Sixty-two mesostics re Merce Cunningham” • “Flamencología”, una película sobre Diego el del Gastor • José Luiz Alexanco, Luis de Pablo, “La soledad interrumpida”
Si haguéssim de donar tres motius del per què és un dels millors comissaris del segle XX:
1- Als 60's va convertir el Moderna Museet en un pati per a nens.
2- Va fer una exposició tan increible com SHE (A CATHEDRAL). Us podeu creure que dins aquest cony de dona hi havia coses com una secció de fakes de la pintura moderna europea i una altra (a l'estòmac de la dona) un home mirant la televisió? també hi havia peces mecàniques animades ...
3-Va ser el primer que va fer una retrospectiva de Warhol a Europa.
4- Va fer girar de bolos el Guernika de Picasso
5- Va voler acostar la figura del comissari a la de l'artista
6- Va ser un dels primers (com a mínim a Europa) a organitzar sessions de projecció de cinema experimental dins els museus, projectant treballs de René Clair, Maya Deren, Marcel Duchamp, Max Ernst, pel·lícules experimentals italianes o Jonas Mekas.
Amb en Víctor vam enviar una carta al Punt, llàstima que només pogués durar 800 carácers:
Que l’arquitectura i l’ecologia s’han donat la mà en una espècie d’ ecourbanisme està clar: les bones formes són, ara més que mai, necessàries. I per bones entenem: harmòniques, poc residuals, poc contaminants, orgàniques, ergonòmiques, en definitiva, sostenibles. El professor Iñaqui Ábalos en donava les claus en un suplement cultural: energia i infraestructures, iconoclastia, termodinamisme i bellesa, somatisme i reciclatge. En això pensàvem quan passàvem per sota la via del tren i vèiem la carniceria que l’AVE ha fet al Parc Central de Girona i a tants altres llocs. En comptes de soterrar el tren i desmuntar la via, per què no convertir-la en un passeig, en un parc aeri, on les girocletes recorrin els arbres i les fonts, un passeig a vista d’ocell. Una estructura tan ferma com aquesta bé hauria de poder-se reciclar, transformar en altres coses, demostrant que en tot progrés també hi ha un petit tornar a les formes que ens són més naturals.
Ahir Leonard Cohen va fer 75 anys davant 12.000 persones. Felicitats mestre!!!!!
http://www.youtube.com/watch?v=ttv5dyvtF4o
Now I've heard there was a secret chord That David played, and it pleased the Lord But you don't really care for music, do you? It goes like this The fourth, the fifth The minor fall, the major lift The baffled king composing Hallelujah
Hallelujah, hallelujah, hallelujah, hallelujah
Your faith was strong but you needed proof You saw her bathing on the roof Her beauty and the moonlight overthrew you She tied you to a kitchen chair She broke your throne, she cut your hair And from your lips she drew the hallelujah
Hallelujah, hallelujah, hallelujah, hallelujah
Maybe I've been here before I know this room, I've walked this floor I used to live alone before I knew you I've seen your flag on the marble arch And love is not a victory march It's a cold and its a broken hallelujah
Hallelujah, hallelujah, hallelujah, hallelujah
There was a time you let me know What's really going on below But now you never show it to me, do you And remember when I moved in you And the holy dove was moving too And every breath we drew was hallelujah
Hallelujah, hallelujah, hallelujah, hallelujah
Maybe there's a god above All I ever learned from love Was how to shoot at someone who outdrew you And it's not a cry you can hear at night Not somebody who's seen the light It's a cold and it's a broken hallelujah
(us adjuntem una adaptació que vam fer per a nens del mite d'Isis i Osiris amb en Víctor)
LA MORT D'OSIRIS
En un entorn ancestral voltat de vegetació. Una piràmide al fons. Estem a Heliòpolis.
NARRADOR: Els déus egipcis tenen una història molt llarga, i encara més complicada. La llegenda d’Heliòpolis diu que en un principi existia el caos. El sol es va fer a sí mateix i va aparèixer Atum, aquest va escopir i va crear la primera parella, Shu i Tefenut. D’aquests dos van néixer Nut, deessa del cel i Geb, déu de la terra. Quan el cel i la terra es van separar van aparèixer els quatre fills: Osiris, Isis, Neftis i Seth.
Al costat del narrador apareix, d’entre unes túniques, la figura d’Isis. Porta una màscara amb dos corns al cap que encerclen un disc solar.
NARRADOR: Heus aquí Isis, la naturalesa, la mare de la creació, l’avantpassat primitiu del temps, la primera entre els déus i les deesses del cel, la reina de les ombres, el poder etern venerat en tot el món sota les més diverses formes, la que aplega tots els noms. Ara us explicarem la història dels déus més venerats, Isis i Osiris.
Isis comença a parlar i el narrador desapareix.
ISIS: Jo, Isis, i el meu espòs Osiris, vam regnar sobre Egipte, al llarg de l’esplanada del Nil. Un dia, però, Osiris va anar a conquistar el món i va tenir tantes victòries que el seu germà Seth, gelòs de mena, va preparar-li una emboscada. Va utilitzar la nostra germana Neftis que es va transformar amb mi per enganyar-lo. Quan Osiris, el meu marit, dormia, Seth el va matar amb el trident, el va desquartitzar i va tirar els quatorze trossos al riu. Jo mateixa, boja de dolor, em vaig tallar els cabells, em vaig cobrir el cos de cendres, vaig demanar construir una barca i vaig sortir a la recerca dels fragments del meu espòs.
Mentres Isis parlava, al seu costat, una figura s’ha anat embolcallant amb uns teixits talment un cos momificat. En aquest moment el cos s’ha girat i veiem la figura d’Osiris amb una màscara coronada per un ocell.
ISIS: Heus aquí Osiris, germà i espòs, déu egipci de la mort. Jutge en el judici de tots els morts. Avui és el dia en què tots els trossos del cos del meu marit jeuen aquí. Els he embalsamat per tal de ressucitar-los, ja que sense ell el meu cos també està desquartitzat.
Isis s’acosta amb to invocador al cos del seu marit. Sona un fragment de La Passió Segons Sant Mateu de J. S. Bach.
ISIS: Desperta! Oh, tu que estàs adormit, desperta! La teva boca és pura, la teva llengua és justa i verídica. Tu detestes les deixalles i estàs exempt de culpa. Ara els teus enemics són portats a la vasta sala del judici. A favor teu es pronuncia la balança de la Justícia dels Móns. Sí, estàs lliure. Heus aquí que la vida és tornada als teus ulls, al teu nas, al teu front, a la teva boca. Heus aquí que la vida és tornada.
Osiris s’aixeca, es treu el teixit que el guardava i desperta.
OSIRIS: Per Ra, què veuen els meus ulls, si és Isis? On sóc?
ISIS: Benhaurat tu que has tornat a la vida.
OSIRIS: La vida? Quina vida?
ISIS: La vida de l’ànima, però també la del cos.
OSIRIS: És com si em despertés d’un llarg somni.
ISIS: D’un malson, espòs meu.
OSIRIS: Què ha passat?
ISIS: Va ser Seth…
OSIRIS: No diguis més, ara ho recordo tot. Tot el que en l’ahir vaig viure m’ha donat la llum que tinc ara.
ISIS: Tot l’amor que en l’ahir et prodigava t’ha portat la llum a l’ànima i t’ha refet els membres.
OSIRIS: Ara recordo quan vagava per les terres d’Egipte, conquistant-les. Recordo els perills que constantment m’amenaçaven. Recordo la fúria d’aquell pop de mil cames.
Osiris recorda la batalla amb el pop i l’escenifica turbulentament.
ISIS –frenant el deliri del seu marit-: Deixa la memòria tranquil·la, estimat espòs.
OSIRIS: La memòria només es calma amb la pau de l’ànima i la pau de l’ànima la dóna la justícia divina. Cridarem a Toth, déu dels escrives, aquell que fixa la justícia.
ISIS: En veritat et dic que no molt lluny d’aquí habita Toth.
Isis agafa una màscara, es dirigeix al públic i busca a qui li ha d’encaixar la màscara. L’escollit és portat a escena. Entra Toth.
OSIRIS –donant-li un ceptre a Toth-: Oh Toth, tu que calmes el furor dels Combatents, tu que disperses les tenebres i les tempestats, reclamo un judici just. Porta’m davant de Seth, el meu assassí i posa el seu cor tacat de crim a la balança. Invoquem-lo llavors!
Osiris invoca a Seth i aquest apareix a escena.
SETH: M’heu cridat? Aquí em teniu.
OSIRIS: Digues, oh Toth, si declaras culpable a Seth, el meu assassí, o no.
TOTH: Pel greu crim comès, declaro a Seth culpable. A partir d’ara el turment no et deixarà viure fins que la puresa del teu cor no sigui tornada, quan tot el mal que has comès et sigui perdonat.
Seth desapareix fulminat.
TOTH: La meva feina, Osiris, acaba aquí. Que Ra t’acompanyi.
Toth se’n va.
OSIRIS: Heus aquí que ara penetro en la pau, sóc santificat en la meva ànima i la meva ombra mira, atentament, en silenci, sobre el meu passat, i perdona.
“Rien ne distingue les souvenirs des autres moments:
Ce n’est que plus tard qu’ils se font reconnaître, à leurs cicatrices”
Chris Marker, La jetée
Per parlar d’Un conte de Nöel començaria per dir que quan vaig veure-la per primera vegada a un cinema de Barcelona, dos dies després ja arribava la segona. El cinema em tornava a donar lliçons, lliçons d’aquelles que t’arriben poques vegades, amb Inland Empire o Gerry o qui sap què. Més enllà de la fascinació per la pel·lícula el contacte amb Arnaud Desplechin era mínim, ja que aquesta és la primera pel·lícula seva estrenada en sales catalanes i espanyoles. Qui busqui per la gran xarxa i trobi qualsevol de les entrevistes que li van fer a Desplechin arrel de la seva presentació a Cannes comprobarà que ens trobem davant d’una de les sensibilitats més exquisides del cinema actual. Si pensàvem que ningú més ens donaria un bon drama personal (desgastat a mans de la televisió pel dramon de tres al quarto i per unes vides familiars en línies generals neutralitzades) i que les úniques pel·lícules que sobreviurien a crítiques i festivals serien els apocal·lipsis interiors a la manera de Lynch o Eastwood i les amples rialles dels grans noms de la història del cinema (i n’hi ha molts que encara riuen: Varda, Herzog, Oliveira…), doncs ens equivocàvem. Si pensàvem que els bons guions s’havien refugiat en les noves sèries nordamericanes i que el cinema només sobreviuria per l’exotisme de les seves històries i la pirotècnia de les noves tecnologies, també ens equivocàvem, o simplement m’equivocava.
Entre els actors, la majoria dels quals repeteixen en diferents pel·lícules seves, hi ha el camaleònic Mathieu Amalric (que està en el millor moment de la seva carrera amb unes actuacions espectaculars), els veterans Jean-Paul Roussillon i Catherine Deneuve, els sorprenents Laurent Capelluto i Anne Consigny, la Chiara Mastroianni i l’actriu fetitxe de Desplechin (si es pot dir així), la sempre captivadora Emmanuelle Devos. Si el nucli de la pel·lícula és la família Vuillard que es reuneix per Nadal des d’un present difícil carregat de cicatrius interiors, ningú dubta del familiar i de vegades terrible magnetisme que uneix a tots els personatges, captable fins i tot des d’un punt de vista físic. De fet, la Devos i l’Amalric reincideixen com a parella i la Chiara Mastroiani, a la vida real, és la filla de Catherine Deneuve (i de il bello Marcelo, val a dir). Desplechin opta per un muntatge fresc que es posa, amb saviesa i de la forma més humana, al servei de la història. Un muntatge que sorprendrà a l’espectador per la seva imprevisibilitat i perquè, alhora, ens fa més digerible una realitat (la de la ficció) de vegades massa opaca, com la mateixa història de la família protagonista. Al nucli d’aquesta palpita la possible mort de la mare d’on ronden, com satèl·lits, les altres subtrames. La mort rondarà el centre de la sala. De fet, poca gent avui en dia s’atreveix a fer-ho d’una forma tan profunda, amb totes les seves dimensions, humors i sentit de l’humor. La mateixa mort que ha rondat la biografia del director, que mai va arribar a conèixer la seva mare. I és que posar en crisis la figura de la mare significa replantejar els papers de cada un dels personatges en la gran obra de teatre que representen dins cada una de les seves consagrades o frustrants vides. Desplechin va dir que volia parlar del joc de viure, que el joc era el protagonista. I aquesta és l’única manera de jugar amb la mort passejant-se a prop: apostant-ho tot, no fos cas que s’acabés la funció abans de dir les paraules que eren necessàries, i això és el que fan els personatges. Roland Barthes escribia a La cámara lúcida: “Todas las fotografías del mundo formaban un laberinto. Yo sabía que en el centro de ese laberinto sólo encontraría esa única foto, verificándose la Frase de Nietzsche: ‘Un hombre laberíntico jamás busca la verdad, sino únicamente su Ariadna”. I no totes les Ariadnes es disposen a treure’t del laberint, sinó que algunes acaben transformant-se en ell i t’hi capbussen fins a no trobar-te. I això Desplechin ho sap, tot i que ell és d’aquells que, després d’exprèmer-se l’ànima, encara riuen una mica al final, de tornada a casa. Al cap d’avall, un conte sempre serà un conte, més enllà de qui l’expliqui.
nota. (també la passarem al Cinema Truffaut de Girona aquest estiu)
(extracto de El País) Pasó los 30 últimos años de su vida en el manicomio de Montdevergues. Allí murió sola. Abandonada por todo el mundo, incluida su familia. Camille Claudel (1864-1943) cargaba a sus espaldas 79 años de una vida tan dramática como fascinante. Y aún tendría que transcurrir mucho tiempo para que se reconociera su talento como escultora. Sobre todo, para que su personalidad artística volara por encima de su relación con Auguste Rodin. Su maestro. Su amante. Un genio déspota y ventajista, de la que Claudel fue víctima. Como lo fue de su familia ingrata y de la sociedad misógina y envidiosa de la época. (...) Ella aprendió rápidamente y Rodin le permitió participar en muchas de sus grandes esculturas. Aunque, temeroso de su personalidad y talento arrasadores, intentaba rebajar su protagonismo en el estudio. Camille dejó escrita en su correspondencia de la época que él se aprovechaba de ella, que las obras que presentaba como propias eran producto de su talento menospreciado.
También hubo lugar para otros reproches. Por ejemplo, las vejaciones y humillaciones a las que le sometió Rodin, que solía exhibirse con otras mujeres delante de ella. Entre esta correspondencia hay una carta de Rodin, incluida en la exposición, en la que él deja por escrito la promesa, mil veces rota, de que ella sería la única mujer en su vida.
Obsesionada por el amor, Camille fue convencida por Rodin de abortar cuando quedó embarazada. De nuevo, le prometió que iba a abandonar a Rose Beuret. Todo fue mentira de nuevo y Camille, profundamente humillada, abandonó a Rodin. La artista, entonces, se encerró en su propio estudio y esculpió incansable cabezas de niños. La mayor parte de éstas fueron destrozadas inmediatamente. Los vecinos de su taller la oían aullar todo el día. Camille perdió su bellleza y su única relación fueron las decenas de gatos que vagabundeaban por el estudio.
Una tarde, tres enfermeros echaron la puerta abajo y le colocaron una camisa de fuerza. Por orden de su familia, fue ingresada en un sanatorio psiquiátrico próximo a París. Nunca más volvió a esculpir nada. Se le diagnosticó "una sistemática manía persecutoria acompañada de delirios de grandeza". Al final de su vida recuperó la cordura. Nadie la reclamó.
NOTA: el contacte amb Camille Claudel (germana de l'escriptor Paul Claudel) l'he fet a partir d'un llibre de Victoria Combalía que es diu Amazonas con pincel, el títol deixa molt que desitjar, però a dins es troben autèntiques joies que aniré transmetent...
(en el Truffaut reposarem aquest estiu CONTROL..., m'ha tocat fer la crítica)
El càstig consisteix a escriure sobre el cos del sentenciat, mitjançant un complex sistema d’agulles dobles, la disposició que ha violat. En aquest cas un manament sagrat de la colònia: “honora els teus superiors”. Per tal de permetre l’observació de la sentència el rasclet és fet de vidre. Cada agulla llarga va acompanyada d’una altra de més curta. La llarga escriu i la curta escup aigua per netejar la sang.”, F. Kafka, La colònia penitenciària
“Stood alone here in this colony”, Joy Division, Colony
Després d’una llarga espera des de que es va presentar a Cannes el 2007, ha arribat a les pantalles dels cinemes CONTROL, el biopic d’Anton Corbijn sobre Ian Curtis, líder de la mítica banda de Manchester, Joy Division. Anton Corbijn, de professió fotògraf, va fer una petita incursió en el món de les rara avis del rock amb un curtmetratge on retratava a Don Van Vlie, el Sr. Captain Beefheart. Després d’això, Corbijn va ser el responsable de la imatge més emblemàtica dels Joy Division, una sessió fotogràfica on es veia els quatre membres vestits de negre sobre el fons blanc i nevat de Manchester. Els fans de la banda recordarem la foto on els membres del grup estan caminant per un túnel i Ian Curtis té el rostre girat mirant cap a l’objectiu de la càmara amb la mirada desangelada d’aquell que sap que aquell túnel no té un camí de tornada, com a mínim no per ell que no va arribar a veure com els seus companys s’enfilaven cap el “Nou Ordre” mentre ell desapareixia en direcció al mite. Corbijn és fotògraf, la qual cosa es nota, en primer lloc per la marcada fotografia en blanc i negre postproduïda per la qual opta, en segon lloc per com se li escapa de vegades la narració. Així i tot, Corbijn, a diferència de 24 hours party people de Michael Winterbottom o del documental Joy Division, opta pel melodrama. Les cançons van en paral·lel a l’evolució de la vida de Curtis de vegades, fins i tot, d’una manera massa literal. Com a amant de Joy Division algunes preguntes em venien al cap: quin era el Manchester postindustrialitzat on va néixer la banda i com això va influir en tota una generació de músics? Com aconseguien parir la música i les lletres? Quines influències tenien i com es van desprendre d’elles? Com van aconseguir passar del so més punk i la seva imatge vinculada amb el nazisme al seu so particular que ha acabat influïnt a moltes bandes dels anys noranta i segueix fent-ho en la dècada present (quantes versions no haurem sentit de Love will tear us apart again)? De tot això en podem veure petjades a la pel·lícula, però “entre bambolines”. Potser, al final, l’únic misteri de Ian Curtis en concreti de Joy Division en general és la falta de misteri.
El personatge de Ian Curtis, figura que va néixer un 15 de juliol, el mateix 15 de juliol que va veure néixer Walter Benjamin i Jacques Derrida, segueix estant ple d’enigmes: veiem aquest jove que recita Rimbaud i Blake mentre escolta David Bowie, que es casa amb vint anys, que té una feina d’assistent social que es confronta amb les innumerables lletres que espera musicar, el personatge torturat que mira Sonrisas y lágrimas, el poeta que recita des dels inferos més profunds i que acaba dansant com un sàtir obsessivo-compulsiu sobre l’escenari, l’enamorat devot de la seva dona a la qual culpa també de tot el que no li agrada de la seva vida, l’amant desquiciat d’una jove periodista, l’impossible pare, l’epilèptic adolorit, aquell que deia que “tenia l’esperit però que havia perdut el sentiment o la sensació”, aquell tímid i malatís ésser que va canviar les històries en boca de les quals parlava el punk, el nostàlgic d’un futur que mai no arribaria.
Corbijn opta per un rodatge prou interessant però segurament bastant complicat: cançons cantades en directe pels mateixos actors (amb resultats lloables), secundaris que eren fans reals dels Joy Division i que havien assistit a alguns dels seus concerts (avui ja massa crescudets) i, enmig de tot aquest risc, massa literalitat en els fets i un rostre, el del personatge que, malgrat emular molt bé a Ian Curtis, està massa controlat per la fotogènia que en vol treure Corbijn. La pel·lícula, però, emocionarà a quasi tots els fans, sobretot al final, un final marcat per la mateixa història, el final que havia de ser. Un final amb Atmosphere de fons, una cançó que seguirà ressonant per l’estepa de la postmodernitat allà on l’home “isolat” encara no hagi trobat repòs en el seu camí, silenci per al seu destí.
El Disseny Hub Barcelona (DHUB), conjuntament amb les associacions ADI-FAD i ADG-FAD, presenten del 18 de juny al 24 de juliol a la Sala d'Exposicions del FAD una exposició sobre el fenomen low cost, entès com un procés econòmic que es pot considerar la quinta essència del capitalisme. La mostra vol fer reflexionar els visitants sobre el consum de masses: el low cost ens fa lliures o còmplices del sistema?"Low Cost. Lliures o còmplices" (del 18 de juny al 24 de juliol)
Sala d'Exposicions del FAD (Pl. dels Àngels, 5-6. Barcelona) del 19 de juny al 23 de juliol de 2009, de dilluns a dissabte, d'11 a 20 h.
L'exposició és gratuïta, però per a veure-la complerta, caldrà portar monedes de 20 cèntims.
Comissariada per Mery Cuesta y Jorge Luis Marzo com obres de Félix Pérez-Hita........
Ayer en el CCCB, charla con David de Ugarte: es muy bueno, es inteligente, humilde, simpático y llega hasta el final para con su causa, sabe por lo que lucha. Contra Lessig, aboga por el Dominio Público. Nos regaló un par de sus libros: "De las naciones a las redes", "El poder de las redes". Anarcoide, professor de universidad, hacktivista... Aquí hay una entrevista:
http://www.cccb.org/icionline/
Aquí está su web:
http://www.deugarte.com/
Y aquí otra web interesante:
http://www.versvs.net/
"En el fondo la sutura social de generación de signos y significados de una sociedad parte y se adapta a la estructura de comunicación"
"ci más del 60% de licencias creative commons no permite obra derivada"
"Ici la partida por royalties crece 3 veces más rápido que el PIB en paises como estados unidos, alemania o japón"
"Si antes teníamos una red descentralizada con nodos intermedios, ahora tenemos una red con todos los nodos conectados entre sí."
